Deux films très différents en ce mois de mars enneigé, qui m'a emmené vers des contrées moins froides (mais pas toujours moins humides).

Premier voyage avec Brigitte Roüan, qui emmène le spectateur dans un réecriture débridée et baroque des grands mythes grecs. Comme chaque été, Jo se rend sur une petite île grecque pour animer un festival. Mais la crise est passée par là et son correspondant local a utilisé l'argent versé pour le festival dans l'installation du tout-à l'égout. Qu'à cela ne tienne, Jo décide de rester sur place. Car cette escapade grecque est moins pour elle une visite culturelle que l'occasion de retrouvailles familiales.

Il faut accepter de se laisser embarquer dans ce film qui prend plein de direction différentes, avec un montage hâché, parfois brusque. Les rebondissements ne sont finalement pas si nombreux que cela (un pied cassé, une visite dans une geôle, une procession en l'honneur de Dionysos dans le petit village), et c'est la famille qui est vraiment au coeur du récit. Autour de Jo (surprenante Nicole Garcia, assez inattendue dans ce rôle comique), on retrouve ses quatre fils, très typés : l'aîné responsable (Eric Caravaca), les deux du milieu plus effacés (Patrick Mille et Michael Abitboul) et le petit dernier, le chouchou (Gaspard Ulliel). Avec eux, les femmes ou ex-femmes, dont une chanteuse d'opéra qui chante dès qu'elle est contrariée, les enfants et la grand-mère (Emmanuelle Riva), qui ponctue le film de prédictions dignes de la pythie. 

Ce que je retiens surtout du film, c'est son énergie et la manière qu'a Brigitte Roüan de tirer les acteurs dans son univers très personnel (elle l'avait déjà très bien réussi avec Carole Bouquet dans Travaux !) Et puis la petite promenade en Grèce, au bord de la mer, dans les petites maisons blanches typiques, ne se boude pas.

Autre ambiance avec Elefante blanco, le film de Pablo Trapero. La première scène, déroutante et inquiétante, plante un décor très particulier : un jeune homme tente d'échapper au massacre d'un village alors qu'il est recherché personnellement. Cet homme, c'est le père Nicolas (Jérémie Rénier), un jeune européen venu se perdre dans ce coin d'Argentine. Il est accueilli par le père Julian (Ricardo Darin), qui tente de transmettre sa foi dans un des quartiers les plus violents de Buenos Aires, un bidonville construit au pied d'un immense bâtiment. C'est un hôpital, surnommé Elefante blanci, prévu pour être le plus grand d'Amérique du Sud, débuté dans les années 50 et dont la construction n'a jamais été terminée.

Dans ce bidonville, les deux prêtres essaient, avec un jeune assistante sociale, de redonner un peu de dignité aux habitants. Ils tentent de les aider à construire leur propre maison, mais les financements ont beaucoup de mal à arriver. Ils font également face aux groupes violents réunis autour de deux figures de la drogue qui aimantent tous les jeunes du quartier. Le film vaut pour cette immersion presque constante dans ce quartier très particulier, où les descentes de police sont violentes et où tout est fait pour les problèmes soient réglés à l'intérieur, sans intervention extérieure. Film qui est loin d'être optimiste mais qui tente de montrer l'abnégation et le combat quotidien, parfois difficile, de ceux qui ont décidé d'aider ce quartier abandonné.

Fréquenter de manière assidue les salles de cinéma fait que je n'ai pas le temps de parler immédiatement de tous les films que je vois. Session de rattrapage pour ce mois de janvier !

Commençons par le meilleur, en tout cas celui qui m'a fait la plus forte impression et laissé le meilleur souvenir, Foxfire. Premier film de Laurent Cantet depuis sa palme d'or pour Entre les murs, j'ai été voir le film grâce à l'écho favorable qui l'entourait, sans rien en savoir. Et j'ai été totalement happé par cette histoire et par l'énergie dégagée à la fois par le scénario et par l'interprétation. Le dynamisme de toutes les jeunes actrices, non professionnelles, est absolument communicatif et m'a littéralement transporté dans ce film militant, joyeux et parfois cruel. Laurent Cantet rend formidablement les scènes de groupe, notamment celles où les cinq jeunes filles décident de créer leur gang, Foxfire. Si la fin de l'intrigue est un poil attendue (c'est le seul reproche que je ferai au film), j'ai été marqué par de nombreuses scènes : la fuite en voiture, la visite de la chambre  parentale dans la maison bourgeoise, la tirade de haine du banquier envers la menace communiste. Et, c'est peut-être la grande nouveauté chez Cantet, il y a également de l'humour et une très bonne BO. Il a réussi à ne pas faire disparaitre son propos derrière la forme. Un très beau film, que je conseille très vivement.

Dans un autre genre, beaucoup plus calme et contemplatif, j'ai apprécié le film que Gilles Bourdos consacre à Renoir. L'énergie n'est plus du tout la même, puisque le réalisateur a choisi de s'intéresser à Renoir âgé, retiré dans sa demeure sur la Côte d'Azur alors que ses deux fils aînés sont sur le Front. La relation ambiguë de Renoir et de son jeune modèle, jeune fille peu farouche, celle de ce même modèle avec le fils de Renoir, Jean, sont bien rendues et donne au film, très lumineux et coloré, une tonalité plus triste. Si on a beaucoup parlé de Michel Bouquet qui revient au cinéma après dix ans d'absence, je tiens à mentionner les prestations de Vincent Rottiers, meurtri par la guerre et en train de découvrir le pouvoir du cinéma, et surtout celle de Christa Théret. Elle incarne ici la jeunesse, non pas insouciante, mais ambitieuse, prête à saisir les occasions pour donner vie à son rêve. Elle confirme tout son talent et devrait s'imposer comme une des grandes actrices des années à venir.

Une autre énergie, là encore, est à l'oeuvre dans le film d'Anna Novion, Rendez-vous à Kiruna. On quitte l'espace clos de la Côte-d'Azur pour se plonger dans un road-movie suédois. L'histoire est celle d'Ernest, un architecture reconnu. Il est obligé de se rendre en Suède pour reconnaître le corps d'un fils qu'il n'a jamais vu. C'est l'occasion d'une promenade parfois burlesque (scènes très drôles avec un biker un peu loser), parfois poignante (les retrouvailles d'une jeune homme et de son grand-père) mais toujours touchante. C'est aussi la rencontre entre un architecte assez sûr de lui et un jeune auto-stoppeur qui ne sait pas trop quoi faire de sa vie. Un joli deuxième film de la part de cette réalisatrice, porté par Jean-Pierre Darroussin, comme toujours très juste.

Puisqu'il est question d'énergie, voici un film où j'ai trouvé qu'il en manquait foncièrement. J'ai bien lu toutes les critiques élogieuses sur le dernier de Paul Thomas Anderson (Magnolia, There will be blood), mais j'avoue ne pas avoir compris ce qui est à l'origine de tous ces compliments. Prise une à une, toutes les pièces du film sont assez intéressantes : les images sont souvent magnifiques, avec un beau sens du cadrage ; la musique de Jonny Greenwood est pertinente ; les interprétations de Philip Seymour Hoffman et Joaquin Phoenix sont remarquables ; le sujet choisi (le rapport de domination au sein d'une secte en création) est intéressant a priori. Mais tout cela mis ensemble m'a laissé très froid. Je ne me suis pas ennuyé une seconde pendant les 2h15, mais je n'ai ressenti que très peu d'émotions. La première demi-heure est réussie (centrée sur le personnage de militaire déphasé incarné par Phoenix) mais dès que la rencontre avec Seymour Hoffman se fait, j'ai trouvé l'ensemble du film assez plat, sans émotion ni beaucoup d'énergie. Je suis donc ressorti assez déçu, non pas par le discours assez obscur du film, mais par le fait que je n'aie pas saisi la subtilité de cette relation et que je sois resté à distance. Peut-être est-ce moi, peut-être est-ce le film (ou les deux), en tout cas, je n'ai pas retrouvé la force de son film précédent.

Enfin, petite séance de rattrapage avec le festival Télérama. Outre Margin Call, ce fut l'occasion de voir Take Shelter, de Jeff Nichols. C'est un film que j'ai trouvé très fort, très évocateur, avec un choix très pertinent de représenter la folie/paranoïa par les rêves et les événements météorologiques. Michael Shannon et Jessica Chastain incarnent avec justesse ce couple menacé par les éléments et par la maladie.

Rattrapage aussi pour la Palme d'or de 2012, Amour de Michael Haneke. L'histoire est connue (deux personnages âgées dans un appartement bourgeois, la femme est malade). Haneke utilise le huis-clos de façon très poussée, en installant dans cet appartement une intrigue longue, douloureuse, reposant finalement sur très peu de rebondissements. Il n'est pas forcément facile de voir la déchéance physique de cette ancienne pianiste, mais Jean-Lous Trintignant et Emmanuelle Riva sont absolument remarquables dans leurs rôles, soutenus par quelques rares mais très remarquées interventions d'Isabelle Huppert. Un film forcément difficile par le thème qu'il aborde, mais auquel Haneke n'a pas ajouté de lourdeur ou de souffrances inutiles. Une sobriété qui sert le film.

Foxfire, Confessions d'un gang de filles de Laurent Cantet (Entre les murs)

Sortie le 2 janvier 2013

Renoir de Gilles Bourdos

Sortie le 2 janvier 2013

Rendez-vous à Kiruna d'Anna Novion

Sortie le 30 janvier 2013

The Master de Paul Thomas Anderson (There will be blood)

Sortie le 9 janvier 2013

Take Shelter de Jeff Nichols

Sortie le 4 janvier 2012

Amour de Michael Haneke (Le ruban blanc)

Sortie le 24 octobre 2012

Puisque je n'ai pas eu le temps, en décembre, de tenir régulièrement ce blog, je vais tenter de remédier au retard pris en utilisant quelques subterfuges. Au premier rang desquels le billet commun à plusieurs films. Retour donc sur les pellicules découvertes au mois de décembre, avec un petit détour par la programmation télé de Noël.

Sur grand écran, le film le plus intéressant et déroutant vu en décembre est l'oeuvre de Miguel Gomes. Le portugais signe avec Tabou un grand film romanesque, déroutant par sa construction assez surprenante. La première partie du film est actuelle. On suit une dame qui s'inquiète pour sa voisine qui perd tout doucement la boule. Elle tente de lui venir en aide, lui apporte à manger, va la rechercher dans un casino, mais elle sent qu'elle lui échappe. Lorsqu'elle décède, elle lui glisse un nom, Ventura. Une rapide recherche permet de retrouver ce Ventura, et c'est le début de la seconde partie : retour en arrière pour comprendre la relation entre Ventura et la jeune femme. Le film est servi par un très joli noir et blanc, avec une grain de pellicule assez grossier, notamment pour la partie en Afrique. Le trouble est lié à cette seconde partie, presque entièrement en voix off. On y découvre une histoire d'amour follement romantique, avec un mari glacial, un amant attirant et un mini crocodile. Une très belle surprise.

Deux autres très bons films en ce mois de décembre. D'abord, Les bêtes du Sud sauvage de Benh Zetlin. Ce film qui prend pour cadre un ouragan qui s'abat sur une petite communauté marginale de Louisiane est rempli de réussites, notamment visuelles. Le travail du réalisateur sur l'eau, élément constamment présent dans le film, est très intéressant. Et puis il y a au coeur du film une actrice épatante, du haut de son jeune âge : Quvenzhané Wallis. Elle est presque de tous les plans, joue de façon assez fabuleuse, avec une grande subtilité d'expression. Une plongée aquatique dépaysante.

L'autre belle réussite est Ernest et Célestine. Le film est adapté des ouvrages de Gabrielle Vincent et scénarisé par Daniel Pennac. Avec les voix malicieuses de Lambert Wilson et Pauline Brunner, on suit l'histoire de cet ours et de cette souris qui se lient d'amitié, envers et contre toutes les conventions de leurs sociétés respectives. C'ets très joliment dessiné, c'est fin, drôle, émouvant. Bref, un excellent dessin animé, visible par les plus petits sans aucun problème (ils peuvent même en redemander !)

Un passionnant documentaire est également venu ponctué ce mois de décembre. Réalisé par Sébastien Lifshitz, Les invisibles donne la parole aux homosexuels. A ceux qu'on n'entend jamais, ceux qui sont aujourd'hui âgés et qui ont dû se battre, faire taire les oppositions, pour exprimer leurs amours homosexuels. A travers des témoignages de personnes très différents (d'anciens militants, des convertis après un mariage, des bergers rêveurs), le réalisateur parvient à offrir une palette très large des situations possible. Et donne envie de s'engager, de lutter, pour que le choix du conjoint ne soit plus un objet de difficultés.

Puis il y a tout de même quelques films qui m'ont moins parlé. Le dernier film de Michel Leclerc, Télégaucho, raconte ses débuts dans une télé locale. Le film est plutôt agréable à voir, mais manque selon moi d'un point de vue plus aigu sur ce qu'il a vécu. C'est une chronique à laquelle il manque l'analyse. Une actrice est néanmoins une nouvelle remarquable sous la caméra de Leclerc, c'est Sara Forestier. Elle est étincellante, pleine de vie et totalement convaincante dans ce rôle de fille naïve.

Enfin, les déceptions. Concernant Populaire, de Régis Roinsard, je n'en attendais pas grand chose mais ai été attiré par quelques critiques assez bonnes. Je me suis finalement assez ennuyé avec ces histoires de concours de dactylo qui se succèdent sans véritable enjeu. Romain Duris et Déborah François défendent correctement leurs personnages, mais le film en reste au stade du simple divertissement.

Puis il y a le film qu'on attend et à côté duquel on passe. C'est le cas de Main dans la main, le dernier film de Valérie Donzelli. Ayant vu récemment la reine des pommes, son premier film, et après le succès de La guerre est déclarée, j'étais assez optimiste. Pourtant, je n'ai pas été convaincu par cette histoire et son traitement. Donzelli a une idée (un homme et une femme ont un comportement mimétique après s'être embrassés) mais elle ne sait pas quoi en faire. Du coup, elle la perd de vue et ajoute dans son film des intrigues secondaires, traitant d'une manière ou d'une autre du couple (amoureux, amical, familial), mais je n'y ai pas trouvé de liant. J'attendrai donc le suivant !

Enfin, pour ce qui est de ce riche mois de décembre, je dois avouer que j'ai découvert quelques monuments à la télé : Sissi, Intouchables et Ed Wood. Pas la peine de chercher de point commun, si ce n'est que j'ai pris un certain plaisir à voir chacun d'entre eux, pour des raisons différentes. Voilà, j'ai presque rattrapé mon retard cinématographique, il faut que j'évite d'en prendre de nouveau.

Je crois qu'avant de voir un film de Ben Affleck, je ne l'avais jamais vu comme acteur. J'avais un a priori assez négatif sur l'acteur (c'est parfois stupide comment on se construit des idées !). Depuis The town, sa précédente réalisation, j'avais revu mon jugement. Avec Argo, son dernier film, c'est sûr : Ben Affleck a un vrai talent de réalisateur et d'acteur (il joue dans ses deux films et est assez convaincant). Dans Argo, il réussit à rendre une tension assez incroyable, avec une grande efficacité.

L'affaire des otages américains en Iran est assez connue. Celle racontée dans ce film l'est moins. A moment de l'invasion de l'ambassade américaine par les manifestants iraniens, six ressortissants américains arrivent à fuir et à se réfugier à l'ambassade canadienne. Mais le Canada ne peut pas éternellement cacher les fuyards recherchés par la police iranienne. La CIA monte donc une grande opération pour les exfiltrer, l'opération Argo.

Tout cela semble bien banal, sauf que le prétexte qui va permettre aux ressortissants de s'échapper (ou pas) est le tournage d'un faux film de science-fiction. L'intrigue est donc centrée autour de ce faux projet, de sa naissance dans les bureaux de la CIA à l'imprégnation avec les lieux de tournage à Téhéran, en passant par la recherche des producteurs et des finances. On passe ainsi de Hollywood gangréné par des incapables et des frileux à la vie à Téhéran, gouverné par des extrémistes religieux.

Ben Affleck réussit parfaitement ce changement d'univers, régulier dans le film. Il rend également parfaitement la tension parmi les otages, qui ne savent pas s'ils doivent faire confiance à cet huluberlu débarqué de nulle part avec un projet fantaisiste. Surtout, Ben Affleck donne un rythme trépidant à cette histoire. La scène d'ouverture est formidable et donne parfaitement le ton de ce film : on voit les manifestants encercler l'ambassade américaine, avec un mélange d'images d'archives et de fiction tout à fait saisissant.

Ben Affleck se donne le beau rôle, celui du potentiel sauveur, mais il n'en fait pas trop et rend son personnage attachant. A ses côtés, beaucoup d'acteurs inconnus pour ma part, tous très convaincants. Il faut néanmoins souligner la performance du duo de producteurs, incarné par John Goodman et Alan Arkin, très drôles. Bref, un film efficace qui décrit une affaire géopolitique cocasse et peu connue.

Autre film de Ben Affleck : The town

Un spectacle d'opéra, mine de rien, est une vraie prouesse. Pour que tout fonctionne, il faut que s'accordent les chanteurs, solistes et choeurs, et l'orchestre, le tout dans une mise en scène précise. C'est dire le nombre de contraintes, techniques et artistiques, qui se pose à chaque représentation. C'est cette alchimie très particulière que décortique ce très beau documentaire.

Le réalisateur, Philippe Béziat, a choisi de suivre le travail de Jean-François Sivadier sur la Traviata, l'un des opéras les plus populaires et connus du répertoire. Le spectacle a été présenté lors du festival d'Aix à l'été 2011. Dans le rôle de Violetta, on retrouve Nathalie Dessay, la chanteuse lyrique française la plus populaire du moment. A ses côtés, il y a Charles Castronovo qui incarne Alfredo Germont, celui dont Violetta, malade, tombe follement amoureuse. Puis il y a bien entendu Giorgio Germont, le père, qui pose un ultimatum à Violetta : elle doit renoncer à son amour pour favoriser les destinées de la soeur d'Alfredo. C'est Ludovic Tézier qui prête sa voix au père.

La construction du documentaire est très intéressante. Chronologiquement, elle suit le rythme de l'opéra. Du coup, on entend une grande partie de l'opéra, chantée en répétition ou interprétée lors de la générale. Puis, il y a la description de la construction d'une mise en scène. On débute dans une salle de répétition, avec les solistes et un piano, pour débuter la mise en place. On découvre les discussions entre Sivadier et les chanteurs. Nathalie Dessay exprime également sa crainte face à certains airs, qui nécessitent une grande technique et qui ne sont pas évidents à rendre sur scène.

Puis, petit à petit, s'ajoutent les choeurs. En parallèle, l'orchestre répète avant de venir lui aussi se greffer à l'ensemble. Enfin, c'est la découverte de la scène, avec des costumes et des maquillages qui s'intègrent peu à peu. Au final, on découvre un petit bout du spectacle, tel qu'il a été donné à voir aux spectateurs.

C'est vraiment passionnant de voir cette construction, le travail d'actrice de Nathalie Dessay, qu'on apprend à faire tomber, la réflexion sur la mise en scène de Sivadier. Et puis la Traviata est vraiment un bel opéra, dramatique, fort, violent. Et je ne résiste jamais à la confrontation entre Violetta et Giorgio, dans cet air où il demande à la malheureuse de pleurer. Vraiment, un très beau documentaire !