A Tanger, il n'y a pas beaucoup de solutions pour les jeunes filles : c'est le chômage, le travail dans les usines textiles de la zone franche ou le décortiquage des crevettes. Badia est ce qu'on appelle une fille-crevette : toute la journée, elle est assise dans une grande salle à la lumière blanche où elle s'occupe des crevettes avec des gestes mécaniques. Le problème, c'est l'odeur : Badia ne la supporte pas et se frotte désespérément, pour essayer de faire passer cette abominable puanteur. Avec Imane, son amie, elle tente de donner un peu de sens à sa vie. La rencontre avec deux autres filles, des textiles, va apporter un peu de piment. Et quelques larcins apportent du beurre dans les épinards.

Sur la planche est un film qui prend aux tripes. Les premières scènes mettent immédiatement dans le ton : le spectateur est pris à parti par la logorrhée de Badia, qui parle avec un débit impressionnant et un accent marqué. La caméra suit l'énergie du personnage principal : tourbillonnante, elle ne laisse pas de repos. Puis le film se pose : on découvre alors l'histoire de ces jeunes femmes, obligées de travailler pour payer leurs logements miteux en location. Dans le rôle de Badia, la jeune Soufia Issami est très convaincante et la mise en scène de Leïla Kilani permet de concilier l'intrigue (une simple histoire d'arnaque et de vol) et description du Maroc contemporain.

Car outre l'histoire édifiante des personnages, le plus du film est de donner à voir la vie à Tanger. Ville en pleine expansion économique, elle est un lieu d'immigration pour les marocains, qui quittent les autres villes pour y trouver du travail. Les intérêts économiques sont protégés dans la zone franche, où les allers et venues sont contrôlés par les autorités policières. Les conditions de travail difficile des ouvrières ne les protègent toutefois pas des conséquences de la mondialisation : les délocalisations pour l'Asie ne les épargnent pas.

C'est un film pour lequel il faut être en forme : l'intrigue n'est pas totalement linéaire et m'a laissé perplexe (même s'il est assez facile de faire des hypothèses plausibles sur ce qui se passe une fois le générique de fin débuté) et la caméra ne ménage pas le spectateur. Mais c'est un film qui mérite cet effort initial, car il est déroutant et riche.

Mi-janvier, au cinéma, c'est festival Télérama. C'est à dire l'occasion, pendant une semaine, de (re)voir les meilleurs films de l'année écoulée, selon la rédaction du magazine. Cette année, sur les 15 sélectionnés, j'en avais vu 11, et la sélection me parait assez logique (un petit regret pour l'absence de Melancholia, et une légère incompréhension face au succès des Bien-aimés). L'occasion de voir deux films laissés de côté au cours de l'année, Drive et Black swan. Deux films que j'ai vu avec un certain plaisir, mais sans un grand enthousiasme.

Drive, c'est l'histoire d'un chauffeur, cascadeur et garagiste le jour, client de truand la nuit. Sa vie solitaire et ordonnée est dérangée lorsqu'il fait la rencontre d'Irene, sa voisine. Elle élève seule son fils, et attend la sortie de prison de son mari. Notre chauffeur se prend d'amitié pour la famille et lorsqu'il arrive malheur au mari d'Irene, il décide de le venger.

Le film me laisse une impression mitigée. Il y a des moments très réussis, où le sens de la mise en scène de Nicolas Winding Refn et le jeu tout en retenue de Ryan Gosling sont éblouissants (les plans sur son poing qui se ferment sont très réusssis). C'est notamment le cas lors de la scène d'ouverture, poursuite en voiture loin de tous les codes habituels et qui lance le film sous de bons auspices. Malheureusement, le scénario est faiblard, et la mise en scène abuse d'artifices trop voyants pour totalement m'embarquer. Je pense que je suis assez allergique aux ralentis ou aux choix de montage accentués, et Winding Refn choisit ici cette option, malheureusement pour moi. La violence est assez esthétisée et a fini par me mettre mal à l'aise. Un film prometteur, mais qui aurait gagné à une intrigue un poil plus épaisse (ici, on reste sur une banale histoire de vengeance) et à une mise en scène plus sobre.

Black Swan est d'un autre acabit. Darren Aronofski plonge le spectateur dans un film qui lorgne vers le film d'horreur. L'histoire est celle de Nina, danseuse qui rêve d'incarner un grand rôle du répertoire. L'opportunité lui est offerte par Thomas Leroy, qui veut qu'elle incarne le cygne blanc et le cygne noir du lac des Cygnes. Mais la schizophrénie du rôle s'empare peu à peu de son interprête.

J'ai plus apprécié Black Swan que Drive, sans être totalement convaincu non plus. Outre l'avantage de pouvoir entendre Tchaikovski pendant presque deux heures (tous les extraits musicaux font référence aux musiques du ballet), j'ai trouvé la progression du film assez intéressante. Le démarrage est assez classique, puis on tombe peu à peu dans la folie du personnage. Ce qui relève du rêve ou de la réalité n'est d'ailleurs toujours compris qu'a posteriori, et ce parti pris m'a bien plu. Après, si Natalie Portman est formidable dans le rôle de Nina, le personnage de la mère possessive et étouffante est très attendu, et celui du metteur en scène manipulateur également peu original (Vincent Cassel). Une attention portée aux seconds rôles et à leurs caractères aurait apporté un peu plus de subtilité au film. Mais le final, avec la transformation physique de Nina, est à couper le souffle.

Louise Wimmer tente constamment de joindre les deux bouts. Employée de ménage dans un hôtel, elle complète ses revenus avec un boulot chez un particulier. Elle dort dans sa voiture, devenue le dernier objet qu'elle chérit, car sans sa bagnole, elle n'a plus rien pour se sentir protégée. Et quand le moteur refuse de démarrer, l'angoisse l'étreint. Elle ruse pour pouvoir manger, pour rester propre et pour récupérer quelques pièces.

Autant dire que le film est loin d'être une comédie. En restant au plus près de son personnage, presque de tous les plans et filmé de façon très serrée, Cyril Mennegun rend palpable la tension quotidienne et la crainte de la chute fatale. Car si Louise est presque au fond du trou, elle reste sur la dernière marche qui l'empêche de ne pas sombrer. Elle continue à avoir quelques rapports sexuels réguliers, peut compter sur quelques amis (la tenancière du bistrot qui lui récupère son courrier (Anne Benoît), l'homme avec lequel elle joue au PMU et qui lui répare sa voiture (Jérôme Kircher)). Et cette volonté farouche de ne pas tomber fait toute la force de Louise, qui s'enivre parfois de danse et de Nina Simone pour mieux repartir le lendemain.

On ne sait pas vraiment pourquoi elle en est arrivée là. On sent que la rupture avec son mari, recasée avec une femme bien mise et lisse, l'a détruite, et que sa fille a pris ses distances. Mais on comprend aussi qu'elle refuse de leur demander de l'aide et surtout de leur expliquer la situation dans laquelle elle est. Même l'assistante sociale, déroutée pour ses premiers jours de travail, a du mal à saisir cette femme franche, directe, souvent impressionnante.

Venu du documentaire, Cyril Mennegun en garde les codes et introduit dans le film la subjectivité liée à la fiction, avec une profonde empathie pour Louise Wimmer. Il faut dire que la composition de Corinne Masiéro, pour son premier grand rôle au cinéma, est époustouflante. Résistante, parfois orgueilleuse, elle sait aussi devenir une femme douce, joyeuse, et son regard lorsqu'elle lorgne vers les cités HLM de la ville est un exceptionnel moment de cinéma. Je recommande très chaudement !

Les avis de Pascale, Jérémy

Voir un film de Kaurismaki est une expérience déroutante. Autant, devant L'homme sans passé, je pouvais me dire que cette perte de repères étaitliée à la langue ou aux paysages finlandais qui me sont inconnus. Ces explications ne fonctionnent plus avec Le Havre, puisque le réalisateur finlandais a choisi de tourner en France, en français, avec une majorité d'acteurs locaux.

Pourtant, le phénomène de déroute fonctionne encore. Mais ce manque de repères, loin d'être un défaut, donne au film une tonalité et un relief très original. Et ce pour plusieurs raisons.

Il y a tout d'abord le fait de se retrouver au Havre, aujourd'hui, mais avec un décor des années 60. Le métier même du héros, cireur de chaussures, est symbolique de cet aspect rétro. Plus globalement, tout ce qui concerne le mobilier ou les moyens de locomotion (ah, cette porte de bus à deux battants qui se replient l'un sur l'autre) est daté. Dans le même temps cohabitent des personnages sortis de cette période (comme le flic joué par Darroussin) et d'autres tout à fait contemporains (les migrants, les CRS, les pêcheurs,...). C'est cette confrontation entre évocation du quotidien des années 70 et problématique contemporaine (le sort des immigrés qui rêvent d'aller à Londres, avec le jeune Miguel Blondin) qui fait tout le sel de ce film.

On est donc loin de Welcome, même si le thème est proche. D'autant plus éloigné que le jeu des acteurs est résolument non réaliste. André Wilms, au jeu très hiératique, signe une remarquable performance d'acteur. Si ce qu'il fait paraît simple, il y intègre toute une palette de sentiments, sans quoi le film pourrait être assez plat. A ses côtés, les acteurs sont au niveau, avec le rôle de flic ambigu joué par Darroussin, la femme malade (Katie Outinen) ou une petite apparition glaciale de Jean-Pierre Léaud. Kaurismaki n'oublie pas, dans cette évocation du drame de l'immigration, une pointe d'humour qui ajoute un plus indéniable au film (comme lorsque Marcel Marx, le héros, fait face au directeur de la prison, ou lors du concert de soutien de Little Bob).

Une très belle incursion au Havre, à la fois proche et différente de celle du duo Abel/Gordon il y a peu : tout aussi non réaliste et onirique, mais plus convaincante dans le traitement du sujet principal, celui de l'immigration.

Roman Polanski, après son excellent Ghost Writer l'an dernier, s'offre une petite récréation avec Carnage. Le film est adapté de la pièce de Yasmina Reza, Le Dieu du carnage, que j'avais vu lors de sa création à Paris. Polanski garde exactement le même rythme et la même histoire, et mes impressions sont identiques : un film plaisant, très bien servi par un excellent quatuor d'acteurs, mais dont le propos reste trop limité pour en faire une oeuvre forte.

Les quatre excellents acteurs incarnent deux couples de parents : le premier (Jodie Foster - John C. Reilly) reçoit le second (Christoph Waltz - Kate Winslet, épatante) chez lui pour régler un problème de bagarre entre leurs enfants. Si tout semble pouvoir se régler rapidement, les reproches cachés sortent les uns après les autres, et ce sont finalement les personnalités enfouies qui jaillissent : le beauf lâche, l'homme d'affaires libéral, la femme propre sur elle et réduite au silence, la dame patronesse qui se donne bonne conscience.

Polanski reprend la même trame, et hormis les scènes d'ouverture et de fermeture qui mettent en scène les enfants, on reste dans le huis-clos de l'appartement. La tension monte petit à petit, le vernis craque, et quelques scènes risquent de devenir culte. Comme celles où Christoph Waltz dévore un crumble pomme-poire-pain d'épice en parlant au téléphone. Ou lorsque Kate Winslet jette le téléphone dans le vase de tulipe.

Film assez réussi dans le genre, mais qui restera certainement une oeuvre mineure dans le parcours cinématographique de Polanski.

Autre film de Polanski : The ghost writer