Gepetto partage sa cellule carcérale avec Horace. Horace n'est pas très loquace et Gepetto passe son temps devant la télé, constamment allumée. Leur quotidien est bousculé par l'arrivée de Robert, un acteur qui tente d'expliquer son métier et d'en apprendre les rudiments à Gepetto, qui a bien des difficultés à tout assimiler.

Du théâtre dans le théâtre, ce n'est pas forcément original. Au cours de la lecture, j'ai pensé à Diderot et à son Paradoxe du comédien, ouvrage élémentaire pour tout comédien, même amateur. Ici, on se retrouve plongé dans l'intimité d'une cellule et Robert va tout faire pour initier son collègue à la magie du métier d'acteur. Mais la conception de l'acteur des deux personnages n'est pas la même : quand Robert se réfère à Hamlet et à Orson Welles, Gepetto répond en parlant des acteurs qu'il voit dans les téléfilms.

L'ensemble de texte joue sur cette opposition entre un homme cultivé qui a donné sa vie pour le théâtre et un autre qui ne comprend les subtilités de ce métier, par ignorance. Quand Robert demande à Gepetto de faire des exercices, ce dernier prend toutes les indications au pied de la lettre. Ceci donne au texte une tonalité humoristique, visible notamment dans la discussion sur Laurence Olivier : comment peut-on s'appeler Laurence et être un homme, ce qui déconcerte Robert, abasourdi qu'on puisse ne pas connaître ce grand acteur anglais.

Xavier Durringer profite de ce beau texte pour faire part de son approche du métier de comédien et du désarroi des acteurs, souvent obligés de cachetonner dans des productions indigentes pour pouvoir se nourrir, et par là même de renier leur vision du métier. En plaçant son intrigue dans le milieu carcéral, il laisse entendre que ce métier peut mener au pire. En ayant une vision idéale du métier d'acteur, Robert en est malheureusement la triste illustration. A conseiller à tous les comédiens, amateurs, professionnels ou aspirants.

Film de Xavier Durringer : La conquête (dont je persiste à penser qu'il n'a pas mérité l'accueil très négatif qu'on lui a réservé !)

Ouvrage lu dans le cadre de l'opération La voie des Indés (merci Libfly et Yomu !)

Acting de Xavier Durringer

Ed. Théâtrales

C'est un repas de famille, classique. Elisabeth, l'épouse de Pierre, reçoit son frère et son épouse, Vincent et Anna. A ce repas s'ajoute Claude, un ami d'enfance d'Elisabeth et Vincent. Ce repas est l'occasion pour Vincent et Anna de parler du fait qu'ils seront prochainement parents. Arrive sur la table le sujet attendu : le prénom du futur enfant. Vincent surprend tout le monde en l'annonçant, car il est chargé de références historiques très négatives. En effet, appeler son enfant Adolphe peut être source de confusion. A partir de là, le repas prend une direction inattendue, et les invités ne s'épargnent rien.

Le prénom est une pièce de facture assez classique, qui joue sur le registre du repas de famille qui tourne au vinaigre. Thème assez commun au théâtre ou au cinéma, que Bacri et Jaoui avaient déjà utilisé de façon magistrale dans Un air de famille. L'un des points forts de la pièce est liée à son rythme. Pas de temps mort ni de coupures (la pièce est en un acte), on sent la tension qui monte et les révélations, distillées au fur et à mesure de la pièce, viennent pimenter le récit de cette chronique familiale.

Tout débute sur cette histoire de prénom, qui met en conflit les personnages présents. Alors que l'un, Pierre, est très vindicatif contre le choix de son beau-frère, les autres sont plus dans une tentative de compréhension de ce choix. Si Vincent revendique pour le prénom une filiation littéraire (Benjamin Constant), il n'est en effet pas possible de ne pas penser au dictateur qui a porté ce même nom. C'est ensuite l'occasion pour chacun de raconter ce qu'il a sur le coeur (une relation amoureuse cachée car inhabituelle, les remarques sur le caractère de chacun : la radinerie, l'homosexualité supposée...) et de régler une fois pour toutes les conflits larvés.

Pièce plaisante et efficace, qui sera bientôt portée à l'écran (avec comme au théâtre Patrick Bruel, Valérie Benguigui et Guillaume de Tonquédec, et en plus Charles Berling). Pièce qui voit finalement l'attribution d'un prénom qui, s'il est moins polémique que Adolphe, m'interroge toujours : l'enfant portera le même prénom que celui de son grand-père. C'est un choix parfois fait dans les familles de donner à l'enfant le nom d'un parent, plus ou moins proche dans la généalogie. Je trouve cette tradition assez étrange, notamment quand on connaît le poids des relations familiales dans la construction psychologique des enfants. Utiliser un prénom déjà donné, qui renvoie à une image connue par tous les membres de la famille, est un choix qui me surprend toujours car il est loin d'être neutre. Mais fin de la petite digression patronymique, car c'est finalement un détail dans cette pièce, bien écrite et avec quelques phrases bien senties.

Le prénom, Matthieu Delaporte & Alexandre de la Patellière

Ed. Avant-Scène, n°1287

Le directeur d'un centre culturel de province cède sa place. A l'occasion de son départ et de l'arrivée de son successeur, une réunion est organisée avec les représentants de l'ancienne et de la nouvelle direction, de la mairie, du ministère et les administrateurs. Réunion qui devrait être classique, mais qui révèle toutes les petitesses de ce monde où les apparences et les prébendes sont nombreuses.

En s'attaquant à la description de la vie d'un théâtre, et plus encore à un moment charnière de celle-ci, Jean-Luc Lagarce dépeint de manière douce et féroce les petites manies et conventions du milieu. Milieu dans lequel il faut tout faire pour accueillir au mieux le représentant parisien du ministère. Alors, quand la responsable de la mairie apprend qu'aucun véhicule ne l'attendait à la gare, l'événement devient le centre de la discussion. Pourtant, la victime de cet oubli n'en fait pas une affaire digne d'intérêt.

De même, une grande partie de la soirée est consacrée à la nouvelle équipe du théâtre. Est-ce que Später, le nouveau directeur, va conserver l'ancienne équipe, ou réussira-t-il à imposer son ami Blot ? Jamais le sujet n'est posé de manière aussi nette, mais le lecteur comprend vite que là est le coeur des discussions qui auront lieu autour de cette nouvelle direction : est-on obliger d'accepter Blot, dont personne ne veut, alors que ceux en place sont capables de poursuivre le travail.

Pièce sur le monde du théâtre, mais dans son aspect administratif. Car jamais ne sera abordé la question de la programmation, de la ligne à donner à ce nouveau théâtre. Hormis un changement de personne, on ne sent pas trop quelles sont les oppositions entre les deux directions. Comme si Lagarce dessinait en creux l'image d'un théâtre où les places de direction sont plus importantes que ce qui se passe sur scène. Ce qui est peut-être finalement et malheureusement assez vrai.

Les prétendants, de Jean-Luc Lagarce

Ed. Les Solitaires Intempestifs

Iphicrate et Arlequin, après le naufrage de leur navire, échouent sur l'île des esclaves. Cette île, sur laquelle vivent des anciens habitants d'Athènes, est connue pour être un endroit de subversion : les maîtres sont chatiés, et leurs serviteurs ont le pouvoir. Trivelin, l'homme-orchestre de cette communauté, accueille les nouveaux arrivants, et leur explique les règles : Arlequin devient le maître d'Iphicrate, et ils échangent leurs habits. De la même manière, le couple féminin Euphrosine-Cléanthis voit les rôles s'inverser. Mais le jeu ne durera que peu de temps, les valets n'étant pas assez méchants pour faire subir à leurs anciens maîtres ce qu'ils ont eux-mêmes subis.

Dans cette courte pièce (un acte, onze scènes), Marivaux met en jeu deux notions très présentes dans son théâtre. La première est celle du changement de position sociale. Ici, ce n'est pas une intrigue amoureuse qui en est à l'origine, mais la volonté de Trivelin de montrer aux maîtres la souffrance qu'ils font endurer à leurs serviteurs. En les confrontant, de plus, à un exposé de l'ensemble des griefs que leur font Arlequin et Cléanthis, il leur fait vivre une humiliation publique, où ils doivent assumer leurs minauderies, leurs caprices,... L'intrigue amoureuse n'est pour autant pas absente, puisque Trivelin décide que chaque maître doit tomber amoureux du serviteur de l'autre. On y sent la volonté de rompre les codes sociaux et les conventions, mais cette transgression ne fonctionne pas, chacun retrouvant finalement sa position initiale.

L'autre trait prégnant dans cette pièce est le lieu dans laquelle elle se déroule. Une île, où les positions sociales ont changé, une utopie sociale. On retrouve un peu ce thème dans La dispute, dans laquelle l'intrigue prend place dans un monde où les hommes sont séparés des femmes.

Mais ce qui est troublant chez Marivaux, c'est que son intuition, celle des rapports de force entre classes sociales (allez, soyons un peu anachronique) ne soit pas menée jusqu'au bout. On y sent la souffrance des valets, mais ils ont comme intériorisé leur situation, ce qui fait qu'au final, ils reprennent sans déplaisir leur statut initial. Bien entendu, l'intrigue de Trivelin n'est pas vaine, puisque les maîtres décident d'être plus doux envers leurs serviteurs. Mais la transgression reste limitée à la partie jouée, ce qu'assume totalement Trivelin, double de l'auteur, puisqu'il s'adresse à plusieurs reprises aux maîtres en leur expliquant que cette situation est transitoire.

Courte pièce, donc, mais qui permet se plonger avec plaisir dans l'oeuvre de Marivaux, dans laquelle il jongle avec courtes répliques et tirades plus construites, qui permettent notamment aux valets de faire part de leurs griefs. Héritier du théâtre italien (présence d'Arlequin) et du théâtre français (pour les aspects plus dramatiques), Marivaux arrive à combiner avec beaucoup de facilité les deux écoles.

L'île des esclaves, de Marivaux

Ed. Flammarion - GF

Vatelin, homme intègre qui aime plus que tout sa femme Lucienne, découvre que celle-ci est poursuivie depuis plusieurs jours par Pontagnac, un de ses bons amis. Si Pontagnac jure que ses intentions sont honnêtes, ce n'est pas l'avis de Lucienne, qui tient là a fidélité par dessus tout et qui souhaite se débarasser de cet importun. Pontagnac n'est pas le seul à courtiser Lucienne. Rédillon fait lui aussi des avances à la femme de Vatelin. Mais Lucienne ne veut pas céder, sauf à une condition : si son mari la trompe. Dans ce cas, elle s'offrira à l'un de ses amants. Pontagnac et Rédillon vont donc tout faire pour que Lucienne surprenne Vatelin dans une position inconfortable. Et l'arrivée de Maggy, avec qui Vatelin eut une vague aventure en Angleterre semble favoriser leur entreprise. Mais à la fin, il y en a toujours au moins un qui est le dindon de la farce...

Sur une intrigue assez classique et des personnages archétypaux connus chez Feydeau, l'auteur réussit à signer une oeuvre enlevée, tourbillonnante et qui, malgré le nombre important de protagonistes, ne perd jamais le lecteur. Car, une fois n'est pas coutume, j'ai trouvé la lecture de cette pièce très agréable et fluide, contrairement à d'autres pièces où seul une vision sur scène permet de saisir de nombreux effets. Ici, si la mécanique de la pièce est comme souvent prépondérante chez Feydeau, au détriment du texte, il reste quelques passages assez savoureux, comme cette scène d'exposition où Valentin, découvrant que sa femme est poursuivie dans la rue, réalise que ce dernier est son ami Pontagnac. Les amabilités entre Lucienne et Pontagnac pleuvent, et ne peuvent que provoquer le rire chez le spectateur.

Le second acte est celui où l'intrigue se joue dans sa plus grande partie. Dans une chambre d'hôtel, tous les protagonistes vont se croiser, pour des raisons plus ou moins avouables. Et si Lucienne découvre que son mari la trompe, elle pense que c'est avec une touriste de passage, alors que sa vraie maîtresse se cache dans la salle de bains. Si l'intrigue évolue, c'est souvent le fait de quiproquos. Elle prendra toujours la direction attendue, mais pas pour les raisons que l'on pense. Le Dindon est donc une pièce très bien écrite et huilée, et sa lecture me donne envie de voir un Feydeau sur scène (ce qui est loin d'être irrréalisable) !

A noter à la fin de l'édition du Livre de Poche, un court et intéressant appareil critique, qui revient sur les éléments et les personnages de la pièce, mais qui s'intéresse également sur la réception qui a été faite des pièces de Feydeau, depuis leur création jusqu'à aujourd'hui. Comme souvent, l'oeuvre a connu des hauts (lors des créations dans les années 1890 - 1900 - 1910, et aujourd'hui) et des bas (dans l'entre deux guerres, notamment). On apprend aussi, chose que j'ignorais, que Feydeau est le dernier grand auteur de vaudeville, venant bien après Labiche, et qu'il a réussi à lui donner ses lettres de noblesse en modifiant les codes de ce genre, concurrencé depuis 1850-1860 par les opérettes. Et effectivement, Feydeau est aujourd'hui le plus connu et joué des auteurs de théâtre de cette époque, et le réprésentant du célèbre "Ciel, mon mari" !

Le Dindon, de Georges Feydeau

Ed. Le Livre de Poche