Aller à l'opéra est toujours un moment que je trouve merveilleux. Même si certaines oeuvres (Woyzzeck) ou mises en scène (Tosca) sont moins enthousiasmantes que d'autres (Eugème Onéguine, Carmen), je ressors toujours très satisfait d'avoir assisté à ce type de performance musicale, vocale et scénographique. Et avec Les noces de Figaro présentées à l'opéra Bastille, dans la mise en scène de Giorgio Strehler, je n'ai pas été déçu.

L'opéra de Mozart, avec un livret signé Da Ponte, est très proche de la pièce de Beaumarchais. Les éléments qui jalonnent les deux intrigues sont exactement identiques, et les rebondissements apparaissent aux mêmes moments. On retrouve ainsi la scène où Chérubin se cache dans le fauteuil pour échapper au Comte, alors que lui même se cache. Mais aussi la scène du ruban, celle du saut par la fenêtre, et les intrigues pour confondre le Comte qui tente de faire valoir le droit de cuissage sur Suzanne, la promise de Figaro. Mais aussi les rebondissements, en particulier concernant les parents de Figaro. Le tout dans une ambiance enlevée, et avec un humour constamment présent.

L'intrigue reprend donc les personnages du Barbier de Séville, quelques années après. Alors que le Comte, amoureux transi, est dans cette dernière l'objet de notre empathie face au sinistre Bartholo, il est ici un sale type, usant de son pouvoir dominant de mâle et de maître, mais son but sera déjoué (toute analogie avec une affaire actuelle est donc injustifiée).

Le grand morceau de bravoure de cet opéra se situe au deuxième acte. Dans la chambre de la Comtesse, Chérubin se déguise avant de se réfugier dans un vestiaire, car le Comte le cherche. Il parviendra à lui échapper en sautant par la fenêtre, Figaro le couvrant. Tous les personnages apparaissent dans cet acte, de la Comtesse qu'on aperçoit pour la première fois, au jardinier saoûl, très drôle. Le rythme enlevé, la musique et les chants presque sans discontinuer, sans réciitatifs, entraînent le spectateur dans l'ambiance effrénée de cette folle journée (tel que le dit le sous-titre de la pièce de Beaumarchais).

Pour le reste, l'ensemble est plus qu'agréable, mais n'atteint pas la force de ce deuxième acte. La distribution vocale était, de mon point de vue de néophyte, très bonne (pour un jugement plus expert, je vous envoie chez Joël). Bref, une nouvelle expérience totalement réussie à l'opéra !

Autre opéra de Mozart : Idomeneo

L'opéra est un art que je trouve formidable. Et une nouvelle fois, Le barbier de Séville n'a pas dérogé à la règle, et m'a vraiment enchanté.

L'opéra de Rossini reprend l'intrigue de la pièce de Beaumarchais. Le Comte Almaviva tente de séduire, avec l'aide du barbier Figaro, une jeune fille, Rosina, que son tuteur, le docteur Bartholo, retient prisonnière chez lui, car il souhaite l'épouser. Almaviva se travestira donc pour arriver à ses fins (policier, professeur de musique) : séduire la belle (mais il n'a besoin de fournir beaucoup d'efforts pour cela) et écarter le tuteur (plus périlleux).

L'opéra de Rossini se classe parmi les opéra bouffe (je n'y connais pas grand chose en opéra, j'ai au moins appris cela). Ce côté bouffe, voire burlesque, est merveilleusement rendu par de nombreux aspects de l'oeuvre. Tout d'abord, l'intrigue est rocambolesque : on escalade par une échelle pour rentrer par le jardin, on fait croire à un des personnages qu'il est malade, et il le croit,... Les travestissements jouent également leur rôle dans cet aspect de trop-plein. Mais le côté bouffe est également visible par le biais des peronnages, très caricaturaux et efficaces, notamment Bartholo, et par les mélodies de l'opéra. Plus particulièrement, ce sont les airs qui sont frappants : il y a beaucoup d'effets dans les chants, beaucoup de prouesses, que ce soit en terme de gamme ou de vitesse de prononciation; Ainsi, le célèbre "Figaro, Figaro Figaro" du premier acte est très représentatif, comme le sont les airs de Rosina, très enjolivés.

Entre les passages chantés, Rossini intègre quelques moments parlés, mais qui passent très bien, en particulier grâce à la mise en scène de Coline Serreau, pleines de surprises, qui n'hésite pas à souligner les efftes du texte mais le fait de manière très drôle. Elle se permet même, à la fin de l'opéra, d'intégrer un ballon de football sur scène, ce qui passe sans aucun problème. A noter également les costumes, très beaux, mais surtout les décors, magnifiques, représentant l'intérieur d'une maison sévillane qui se dévoile au milieu du premier acte.

Tout cela pour dire que j'ai passé une excellente soirée pendant laquelle j'ai découvert un opéra dont je connaissais pas mal d'airs (l'ouverture, La calumnia, Figaro,...) mais tous concentrés dans le premier acte, ce qui m'a permis de découvrir beaucoup d'autres airs dans le second acte. Un spectacle dont on sort avec l'envie de chanter et de s'amuser, tellement tout cela est pétillant et agréable.

Pour vous faire une idée de la mise en scène et des costumes, une vidéo sur le site de l'opéra avec la fin du 1er acte (magnifique, avec une autre distribution).

Poursuite de la découverte de l’opéra avec une représentation de Tosca. Représentation attendue, car ratée l’an dernier pour cause de grève. Comme quoi, tout arrive à qui sait attendre (et ce n’est certainement pas moi qui leur jetterai la pierre sur le raté de l'an dernier !)

Floria Tosca est une cantatrice, vivant à Rome au début du XIXeme Siècle. Son amant, le chevalier Cavadarossi, peintre de son état, vient en aide à Angelotti, insurgé qui vient de s’échapper du Château Saint-Ange, et l’aide à se cacher. Scarpia, le despote qui tient la ville sous sa coupe, est prêt à tout pour capturer Angelotti, et utilise la jalousie de Tosca pour retrouver les fuyards. Il en profite pour que ses fantasmes envers Tosca se réalisent enfin.

Tosca est inspiré d’une pièce de Victorien Sardou, créée avec Sarah Bernhardt. L’intrigue est on ne peut plus appropriée à l’opéra : une histoire d’amour, de vengeance et de mort, le tout sur fond des ituation politique complexe, entre le pouvoir arbitraire de Scarpia et Napoléon qui, hors scène, remporte la victoire de Marengo.

Composé de trois actes, l’opéra met un peu de temps à se mettre en place. Le premier acte, le plus long et celui qui m’a le moins accroché, se déroule dans une église où Cavadarossi peint une fresque de Marie-Madeleine, dont les traits sont inspirés par une croyante venue prier. Ce qui irrite profondément Tosca, femme jalouse comme une teigne et très préoccupée par sa petite personne. Pas de grands airs dans ce premier acte, hormis un chant des deux amoureux. Le début de l’opéra, très direct (cela débute par la fuite d’Angelotti), est saisissant. Je suis un peu plus sceptique sur l’utilisation des chœurs, avec une mise en scène fastueuse pour un résultat assez limité.

Le deuxième acte se déroule dans le bureau de Scarpia. Le début est vraiment prenant, avec le mélange des voix de Scarpia et de Tosca, venant de l’extérieur, puis avec l’apport de Cavadarossi. L’intrigue est haletante, la mise en scène rend bien la torture que subit Cavadarossi, et le trouble de Tosca face au dilemme qu’elle affronte. Le personnage de Scarpia, utilisant « le faucon de la jalousie » qui étreint Tosca, est détestable, cynique et sans scrupule, et incarne à merveille le mal. Ce début de deuxième acte est fort réussi, et traduit bien la montée en puissance de l’opéra.

Le troisième débute par un long morceau musical, l’un des seul de l’opéra, puis arrive l’air le plus connu de Tosca, celui de l’amour désespéré de Cavadarossi. Acte court, qui a pour objet la fausse exécution de Cavadarossi, il permet de clore en apothéose un opéra à l’intrigue classique, mais assez surprenant sur la forme.

La mise en scène, signée Werner Schroeter, est très christique. Entre le premier acte qui prend place dans une église et qui se termine par un Te Deum et le décor du troisième acte qui rappelle explicitement le thème de la croix qui engloutit Tosca, les personnages voyagent dans un décor très marqué par la religion. Je n'arriverai pas à expliquer pourquoi ce choix a été fait, mais il m'a sauté aux yeux.

Concernant la distribution, Adina Nitescu incarne une Tosca torturée et James Morris un Scarpia détestable. Mais ma préférence va à Aleksandrs Antonenko, Mario Cavadarossi dévoué à sa cause politique et qui accorde plus d’importance à sauver son ami qu’à satisfaire Tosca.  

Opéra à  la frontière des XIXeme et XXeme siècle, Tosca est selon moi (et mes connaissance actuelles) un bon exemple de la transition entre l’opéra wagnérien, verdien ou romantique, et ce qui va arriver par la suite. Un joli spectacle, mais pas l’opéra le plus bouleversant que j’ai vu.

J’ai eu l’occasion d’assister à la première mondiale d’un opéra, créé à l’Opéra Garnier : Yvonne, Princesse de Bourgogne. Cet opéra est composé par Philippe Boesmans, avec une mise en scène de Luc Bondy. Le livret est une adaptation d’une pièce de Witold Gombrowicz, parue en 1938.

Dans la cour du Roi de Bourgogne, le Prince Philippe est à la recherche d’une épouse. Ses yeux tombent sur Yvonne, jeune fille amorphe, laide. Malgré les protestations de ses parents, il décide de l’épouser. Mais la Cour n’accepte pas cette nouvelle venue, et fera tout pour qu’elle disparaisse le plus rapidement possible.

J’ai assez peu de connaissance de l’opéra : ce n’est que la troisième fois que je m’y rends, et n’est pas une grande connaissance de l’histoire de cet art. Ce que je peux néanmoins dire, c’est que ce spectacle m’a plu, alors que l’idée d’une création contemporaine n’est pas ce qui m’attire le plus au départ.

Cette œuvre est hybride, mélange entre le théâtre et l’opéra. Mélange, car si les personnages chantent et sont accompagnés d’un orchestre dirigé par Sylvain Cambreling, le personnage principal, Yvonne, ne prononce que trois mots, sans jamais chanter : cercle, pelote, et un dernier que j’ai oublié. Le personnage d’Yvonne, incarné par une actrice de théâtre, Dorte Lyssewski, marque bien ce mélange entre les genres. La mise en scène de Luc Bondy, homme de théâtre, m’a également beaucoup plu : les décors changent, passant de la cour du château à une salle oppressante, des fenêtres sur les cotés de la scène permettent aux personnages secondaires de scruter la scène. Tout cela est assez vivant.

Ce qui marque surtout, c’est la causticité de la pièce. Aucun personnage ne correspond aux images habituelles. Bien entendu, le personnage d'Yvonne, la molichonne comme l’appelle le Roi, est loin des canons de Blanche-Neige ou Cendrillon. Le personnage du Roi, interprété par Paul Gay, est un homme exubérant, jouant à Superman avec sa cape. Une des tantes d’Yvonne est jouée par un homme,… Bref, il y a beaucoup d’idées de mises en scènes, qui ajoutent à l’aspect de dérision de cette œuvre, où  j’ai souvent ri. D’ailleurs, l’auteur n’hésite pas à mettre beaucoup de mots triviaux, voire grossiers dans la bouche des personnages (je ne sais pas si c’est devenu habituel à l’opéra, mais cela reste surprenant).

Au niveau vocal, j’ai apprécié la prestation de Mireille Delunsch, qui interprète la reine auteur de textes libertins, pleins de "souplesse" et de "caresses". J'ai aussi été impressioné par le personnage du chambellan, une voix de basse. Pour la musique, je n’y connais pas grand-chose, mais elle m’a paru assez éclectique, piochant dans beaucoup de registres différents. Il y a des moments très contemporains, d’autres qui m’ont rappelé Debussy, et le compositeur fait même référence à la musique des XVIIe et XVIIIe lors d’une séance de révérences.

Pour un spectacle qui ne m’attirait pas particulièrement, mais que j’ai vu car il faisait partie d’un abonnement, j’ai été très agréablement surpris car c’est une œuvre drôle, parfois iconoclaste. En fait, je crois que je ne m’attendais surtout pas à autant rire, et à assister à une oeuvre aussi parodique !