Ragtime est un roman complexe à résumer. Plus qu'un récit avec des intrigues multiples, E. L. Doctorow signe un roman d'ambiance : celle des Etats-Unis de la côte est au début du XXe siècle. Au cœur de l'ouvrage, on trouve une famille blanche, qui sera le point de départ des nombreuses intrigues de ce roman.

Le père, patron d'une entreprise de feux d'artifice, est un aventurier dans l'âme. Il s'engage notamment sans hésiter avec l'expédition Peary pour atteindre le Pôle Nord. Dans la famille, il y a également la mère, plus effacée, un peu craintive, mais qui prendra ses distances avec son mari quand il sera nécessaire et aura l'opportunité et la force de reconstruire sa vie. Il y a également Jeune Frère, homme fantasque, qui rompt le cadre idyllique de la famille pour s'engager dans des actions violentes visant à dénoncer la ségrégation qui frappe les noirs.

Car le thème du racisme est un des thèmes importants du roman. La vie de Coalhouse Walker Jr, jeune musicien de ragtime, amoureux de Sarah, la domestique de la famille, est édifiante. Son fils, qu'il n'a jamais vu, vit avec Sarah, et les retrouvailles qu'il tente de nouer avec la jeune fille et son fils tourne au drame. L'injustice qu'il subit (presque une anecdote, un véhicule abîmé volontairement par les membres d'une caserne des pompiers, mais aux conséquences dramatiques) est à l'origine de son engagement radical, dans lequel il est suivi par quelques personnes, dont Jeune frère qui se maquille au bouchon brûlé pour se noircir le visage.

Outre cette intrigue centrale, palpitante, E. L. Doctorow donne à lire l'évolution de la société américaine de cette décennie qui ouvre le début du siècle. On y croise l'illusionniste Houdini, le magnat financier Morgan qui se passionne pour l'Égypte, l'industriel Ford qui lance sa célèbre voiture Modèle T ou l'archiduc Ferdinand d'Autriche, dont l'assassinat à Sarajevo sera à l'origine de la première guerre mondiale.

La force du roman est donc de remettre en perspective et en question le modèle américain, qui semble dans les premières pages le cœur du roman. Car la mort et la violence, le racisme et l'injustice sociale sont toujours présents, de manière plus ou moins visible. Écrit en 1975, ce roman est une plongée réussie dans l'histoire des Etats-Unis, qui m'a rappelé le travail de Dennis Lehane sur Boston dans Un pays à l'aube, ou certains passages du très bel ouvrage de Colum McCann, Les saisons de la nuit.

Ragtime de Edgar Lawrence Doctorow

Traduit de l'anglais par Janine Hérisson

Ed. Robert Laffont - bibliothèque Pavillons

Mi-janvier, au cinéma, c'est festival Télérama. C'est à dire l'occasion, pendant une semaine, de (re)voir les meilleurs films de l'année écoulée, selon la rédaction du magazine. Cette année, sur les 15 sélectionnés, j'en avais vu 11, et la sélection me parait assez logique (un petit regret pour l'absence de Melancholia, et une légère incompréhension face au succès des Bien-aimés). L'occasion de voir deux films laissés de côté au cours de l'année, Drive et Black swan. Deux films que j'ai vu avec un certain plaisir, mais sans un grand enthousiasme.

Drive, c'est l'histoire d'un chauffeur, cascadeur et garagiste le jour, client de truand la nuit. Sa vie solitaire et ordonnée est dérangée lorsqu'il fait la rencontre d'Irene, sa voisine. Elle élève seule son fils, et attend la sortie de prison de son mari. Notre chauffeur se prend d'amitié pour la famille et lorsqu'il arrive malheur au mari d'Irene, il décide de le venger.

Le film me laisse une impression mitigée. Il y a des moments très réussis, où le sens de la mise en scène de Nicolas Winding Refn et le jeu tout en retenue de Ryan Gosling sont éblouissants (les plans sur son poing qui se ferment sont très réusssis). C'est notamment le cas lors de la scène d'ouverture, poursuite en voiture loin de tous les codes habituels et qui lance le film sous de bons auspices. Malheureusement, le scénario est faiblard, et la mise en scène abuse d'artifices trop voyants pour totalement m'embarquer. Je pense que je suis assez allergique aux ralentis ou aux choix de montage accentués, et Winding Refn choisit ici cette option, malheureusement pour moi. La violence est assez esthétisée et a fini par me mettre mal à l'aise. Un film prometteur, mais qui aurait gagné à une intrigue un poil plus épaisse (ici, on reste sur une banale histoire de vengeance) et à une mise en scène plus sobre.

Black Swan est d'un autre acabit. Darren Aronofski plonge le spectateur dans un film qui lorgne vers le film d'horreur. L'histoire est celle de Nina, danseuse qui rêve d'incarner un grand rôle du répertoire. L'opportunité lui est offerte par Thomas Leroy, qui veut qu'elle incarne le cygne blanc et le cygne noir du lac des Cygnes. Mais la schizophrénie du rôle s'empare peu à peu de son interprête.

J'ai plus apprécié Black Swan que Drive, sans être totalement convaincu non plus. Outre l'avantage de pouvoir entendre Tchaikovski pendant presque deux heures (tous les extraits musicaux font référence aux musiques du ballet), j'ai trouvé la progression du film assez intéressante. Le démarrage est assez classique, puis on tombe peu à peu dans la folie du personnage. Ce qui relève du rêve ou de la réalité n'est d'ailleurs toujours compris qu'a posteriori, et ce parti pris m'a bien plu. Après, si Natalie Portman est formidable dans le rôle de Nina, le personnage de la mère possessive et étouffante est très attendu, et celui du metteur en scène manipulateur également peu original (Vincent Cassel). Une attention portée aux seconds rôles et à leurs caractères aurait apporté un peu plus de subtilité au film. Mais le final, avec la transformation physique de Nina, est à couper le souffle.

Wajdi Mouawad s'est fait connaître par ses propres pièces, traitant à la fois de thèmes assez ancestraux que la filiation, les origines familiales ou les relations avec la terre d'origine. A chaque fois, ces pièces s'inscrivent dans une trame moderne rappelant les grandes tragédies antiques, l'exemple le frappant étant certainement Incendies (encore au cinéma cette semaine grâce au festival Télérama). Que Mouawad adapte les tragédies de Sophocle n'est donc pas surprenant du tout.

Le metteur en scène canadien s'est lancé dans un vaste projet : mettre en scène les sept tragédies de Sophocle qui nous sont parvenues, en trois épisodes. Le premier consacré aux femmes héroines, le deuxième aux héros masculins, le troisième aux hommes en fin de vie. Première étape donc avec l'intégrale des pièces consacrées aux femmes : Les trachiniennes, Antigone et Electre.

Les trachiniennes raconte l'histoire de Déjanire, la femme d'Héraclès. Maladivement jalouse, elle veut s'assurer de la fidélité son mari en utilisant un filtre d'amour obtenu auprès du centaure Nessus, tué par Héraclès. Ce filtre sera la cause de la mort du héros.

Antigone est la fille d'Oedipe et de Jocaste. A Thèbes, c'est son oncle Créon, un tyran, qui gouverne. Les deux frères d'Antigone se sont entretués. Alors que l'un a droit à des funérailles officielles, le second n'a pas droit à une inhumation. Antigone va tout faire pour rendre hommage à son frère.

Electre est la fille d'Agamemnon, tué par sa femme Clytemnestre et son amant Egisthe. Electre n'attend qu'une chose : pouvoir venger son père. Pour y parvenir, elle attend le retour de son frère Oreste.

Mettre en scène une tragédie, antique qui plus est, est toujours une exercice délicat. Notamment car il n'est évidemement de rendre la tension et la force des ces textes, connu de la plupart des spectateurs. Pourtant, Mouawad réussit à rendre ces trois tragédies assez passionnantes. Il permet également de faire entendre au spectateur contemporain les textes fondateurs du théâtre occidental. Et rien que pour cela, il est important de saluer son travail.

La succession des trois pièces est un événement très intéressant, car Mouawad a réussi a donné une couleur à chaque des pièces. Electre, la dernière jouée, est la plus proche du style habituel metteur en scène, avec l'utilisation des corps, des liquides. Si ces dimensions ne sont pas absentes des deux autres pièces, c'est dans Electre qu'elles sont le plus présentes. Les trachiniennes est la pièce la moins connue, et l'interprête du rôle titre, Sylvie Drapeau, est assez impressionnante dans le rôle de Déjanire. Dans Antigone, plus que la jeune fille, c'est Créon qui est au cœur de la pièce. Patrick Le Mauff est là aussi un très bon tyran. Globalement, toute la distribution est au diapason, en particulier Raoul Fernandez, un fascinant Coryphée dans Antigone.

Mais la grande idée de Mouawad, c'est l'incarnation du choeur. Intervenant de façon régulière pour ponctuer le récit, il est ici interprété par Bertrand Cantat, avec un groupe de musiciens très rock. Cette confrontation des deux univers, risquée, se révèle être une très bonne idée de mise en scène. Et Bertrand Cantat revient sur scène dans une œuvre assez éloignée de sa production antérieure. Première étape réussie, reste à découvrir les deux prochaines (qui seront normalement présentées à Mons et ailleurs, avant une intégrale des sept pièces en 2015 à l'occasion de la désignation de Mons comme capitale européenne de la culture)

Le spectacle se joue demain dimanche 22 janvier à Namur, puis sera en tournée au Canada (Ottawa, Montréal) au printemps et à la Réunion en septembre.

Autres pièces de Wajdi Mouawad : Littoral, Forêts, Ciels, Seuls et Incendies, de Denis Villeneuve

[Déjà paru sur Biblioblog] Décrire un pays en guerre et en proie aux conservatismes religieux et moraux est un exercice souvent délicat. Pour peindre sa vision du Liban, Hyam Yared a fait le choix d'écrire un roman qui fait le lien entre réalité sociale et merveilleux. Et le résultat, déroutant, est réussi.

Dès l'ouverture du roman, le lecteur est plongé dans le merveilleux. Le personnage principal, comédienne, se rend à un casting. A son arrivée, l'ouvreuse lui demande de laisser son ombre à l'entrée. Étonnée, la comédienne passe l'audition et est retenue. Lorsqu'elle revient au théâtre pour jouer son rôle, le metteur en scène a disparu et n'a laissé aucun scénario. La comédienne doit donc occuper la scène avec pour seul accessoire une armoire et les ombres qu'elle contient. Ce sont ces ombres qui seront au cœur du spectacle, qui attire de plus en plus de spectateurs.

Les ombres sont pour la comédienne le moyen d'incarner d'autres personnages et ainsi de plonger dans le quotidien des libanaises. Elle devient ainsi Greta, une prostituée qui fréquente un bar et est la grande amie de Lena, la serveuse. Elle endosse également l'ombre de Mona, qui a décidé de faire un enfant seule après avoir été rejetée par sa famille. Ces femmes que la comédienne retrouve sur scène vont peu à peu s'immiscer de plus en plus dans la vraie vie, et ainsi rendre les frontières entre réalité et jeu théâtral perméables.

Mais le roman est également l'occasion de suivre la vie de cette comédienne. Elle se rend notamment à Berlin, avec son amie Yolla. Elle rentre au Liban sans Yolla, disparue à Berlin, mais avec Erik, un homme qui fréquentera assidument les coulisses et la salle du théâtre. Le théâtre est au cœur du roman, mais il n'est pas une bulle imperméable aux bruits du dehors, en particulier ceux des manifestants qui en cette année parcourent inlassablement les rues de Beyrouth.

Avec L'armoire des ombres, Hyam Yared explore diverses facettes : une approche merveilleuse avec ces ombres qui font corps avec l'actrice, une approche sociale avec les manifestations et une approche humaine avec le personnage central de cette comédienne. Trois approches qui dans le roman cohabitent constamment, et qui se mêlent progressivement. A tel point que  le lecteur finit dérouté, pris dans le vertige du récit, mais également heureux d'avoir découvert cette plume singulière.

L'armoire des ombres de Hyam Yared

Ed. Sabine Wespieser

Comme c'est plaisant de retrouver les salles de théâtre ! Alors que le second semestre de 2011 a été marqué par une abstinence scénique un peu forcée (déménagement et prise de repères oblige), l'année 2012 démarre en fanfare. Pour commencer, une petite fantaisie musicale autour de Serge Gainsbourg.

Lucien prépare un nouveau tour de chant, consacré à Gainsbourg. Avec ses trois musiciens et deux choristes, il peaufine son spectacle. Mais désabusé et entouré de camarades un peu dilettantes, il est assez mal à l'aise. Pourtant, lorsque le spectacle commence, Lucien reprend ses aises, et les chansons de Gainsbourg lui servent de tremplin.

Philippe Duquesne, ancien Deschiens, est au centre du spectacle. Il incarne un chanteur en tournée en peu minable, puis se transforme progressivement pour rejoindre l'image de Gainsbourg. Le début du spectacle est pourtant un peu inquiétant, car on sent que le rythme et l'alchimie entre les comédiens n'est pas là (peut-être est-ce volontaire, peut-être dû au fait que certains sont plus musiciens que comédiens, peut-être dû à la jeunesse du spectacle). Mais l'ensemble prend  de la consistance, et le prétexte du début de la pièce (répétitions, puis présentation du spectacle) disparait au profit d'une approche plus intimiste.

Mais ce qui est le coeur et la force du spectacle, ce sont les chansons de Gainsbourg. Accompagné au piano par Joël Bousquet, à la contrebasse par Patrice Soler, à la batterie par Guillaume Arbonville et par deux choristes (Célia Catalifo et Adeline Walter), Duquesne est un bel interprète du répertoire de l'homme à tête de chou. Quelques grands classiques (La javanaise, Requiem pour un con, Harley Davidson dans une très belle version réarrangée, l'ami Cahouette), mais aussi des chansons que je ne connaissais pas (Black trombone, variations sur Marilou). Un spectacle très agréable, malheureusement un peu desservi par l'acoustique du Phénix, pas très bonne, mais qui donne à entendre la poésie, l'inventivité et la science musicale de Gainsbourg.

Spectacle de passage à Marseille pour 15 jours en janvier (La Criée), puis en tournée, notamment à Malakoff, Reims, Cebazat, Sénart, Châlons-en-Champagne...