Un taxi, un soir d’orage. Il quitte la ville, mais se trouve pris sous des trombes d’eau. Aveuglé, il s’arrête au milieu de la chaussée : il a perdu son chemin et se demande où il va.

Flash back : fin des années 40, Israël vient d’être créé et la guerre fait rage entre israéliens qui veulent s’installer et les arabes, les anciens occupants. On suit la vie de Fuad Suleiman et de sa famille, soldat palestinien puis père de famille qui vit à Nazareth. Autour de lui sa femme, et son fils, Elia, qui va grandir et découvrir avec stupéfaction l’état de son pays. Elia, le client du taxi. La boucle est bouclée.

Voilà  un film très réussi, subtil et intelligent, qui décrit rien moins que 60 ans de la vie d’un pays, ou plutôt de la minorité (arabe) d’un pays (Israël). Après un début de film presque digne d’Amos Gitai, qui montre la guerre dans les rues de Nazareth, on retrouve ensuite la patte politique et sensible de Suleiman. De façon suggérée, il décrit l’évolution de son pays, dans lequel les militaires sont constamment présents (quand on téléphone dans la rue, avec une scène drôlatique avec un char israélien, ou quand on s’amuse en boite), où la fibre patriotique israélienne est exacerbée, même dans une école à majorité arabe comme dans cette chorale applaudie par tous, et où il n’est pas bon traiter les Etats-Unis de colonialistes ou impérialistes. Par touches, Elia Suleiman parvient à faire sourire d’événements tragiques, comme avec ce voisin qui tente désespérément de ce suicider.

En dehors du tour de force de raconter une telle histoire avec aussi peu de paroles et de gestes, l’aspect remarquable du travail de Suleiman est son art de la mise en scène. Par les choix des cadres, toujours avec des caméras fixes, il parvient à suggérer énormément de choses. Ainsi, quand sa mère mange une glace alors qu’elle n’en a pas le droit à cause de son diabète, le plan ne montre que la glace, objet de la faute, en cachant la fautive derrière le chambranle de la porte. L’autre force est de souvent montrer sur un double plan : une action principale se déroule, pendant laquelle un autre événement s’incruste, via la télévision, la radio, ….

Il serait dommageable et faux de considérer ce film comme burlesque. C’est avant tout un film politique, qui montre l’évolution malheureuse d’un pays. Malgré des tentatives pour traverser le mur qui sépare les territoires (très belle scène que je vous laisse découvrir), Elia, clown triste, assiste impuissant à l’évolution de son pays qu’il ne semble plus en mesure de comprendre. Assis sur son banc, à l’hôpital où est sa mère, il voit les individus passer, sans comprendre leurs motivations ni chercher à les connaître. Le personnage d’Elia ne parle pas, mais laisse transparaître par son visage, son corps las, cette détresse si poignante.

Film non récompensé à Cannes (et malgré mon amour pour Isabelle Huppert, je dois dire que c’est une grave erreur), Le temps qu’il reste est une œuvre intelligente et intelligible sur un pays qui ne l’est pas toujours. Plus calme et réservé que Intervention divine, son précédent film, Le temps qu’il reste est posé, mélancolique, mais pas nostalgique. Car l’important est d’utiliser le temps qui vient pour tenter de remédier à ce dialogue de sourds…

Ariane est une jeune fille curieuse. Joueuse de violoncelle, elle consacre une partie de son temps libre à lire les dossiers constitués par son père, détective privé. Malgré elle (ou presque), elle entend dans le bureau de son père un homme préparer un meurtre contre l’amant présumé de sa femme. Elle décide de sauver cet homme, Franck Flannagan, un riche coureur de jupons, et devient une de ses nombreuses maîtresses. Mais elle souhaite être la seule, et monte un stratagème pour aiguiser sa jalousie.

Film de Billy Wilder, Ariane vaut à la fois pour les multiples rebondissements de l’intrigue, et pour le jeu des deux acteurs principaux, Audrey Hepburn et Gary Cooper. Concernant l’intrigue, Billy Wilder ne cesse de mettre en scène des situations cocasses : toutes les scènes avec l’orchestre tzigane qui joue Fascination, celles avec le chien de la voisine de chambre de Flanagan,… La majorité de l’action se passe dans une chambre du Ritz, et l’hôtel sert de décor aux amours des deux tourtereaux, et à leur confrontation. La scène la plus drôle du film reste tout de même celle où Ariane, pour rendre jaloux son amant, lui laisse une cassette sur laquelle elle énumère tous ceux qui ont partagé au moins une fois son lit. Prenant à son propre piège Flannagan, réputé pour ses histoires diverses et médiatisées, on voit la décomposition de celui-ci, qui se repasse en boucle cet enregistrement, halluciné et mutique.

Concernant les deux acteurs principaux, Audrey Hepburn joue une jeune fille couvée par son père (Maurice Chevalier), qui décide de prendre son indépendance et de vivre seule son histoire d’amour avec Flannagan. Au final, elle se révèle plus maligne que Flannagan, joué par Gary Cooper, qui s’amuse avec ce rôle. C’est le premier film que je vois avec Gary Cooper, et j’en ai profité pour regarder quelques jours après, l’homme de l’ouest, film d’Anthony Mann dans lequel Gary Cooper joue le rôle d’un cow-boy rempli d’un désir de vengeance, froid, loin de sa partition dans Ariane.

J’ai vu Ariane dans le cadre du festival Cinéma au clair de lune organisé à Paris pendant le mois d’août. Le cinéma en plein air s’installe dans les parcs de la ville, un différent à chaque fois, avec des films ayant pour cadre la ville de Paris. Allez, il vous reste deux semaines pour en profiter. Personnellement, je vous conseille les projections au parc Montsouris, les pieds dans l’herbe, avec un bon pique-nique avant le film, et un pull et une couverture pour éviter d’avoir trop froid ! Car même si le film n'est pas un chef d'oeuvre, une soirée en plein air n'est pas déplaisante !

Cet été est propice aux ressorties de films. Au mois de juin, ce sont deux longs métrages de Ettore Scola qui ont le droit à une nouvelle vie en salle : Une journée particulière et Affreux, sales et méchants. Je n’ai pas vu le second, mais le premier le mérite vraiment.

La journée particulière dont il est question est le 6 mai 1938, jour de la visite de Hitler dans l’Italie mussolinienne. Ce jour est une fête pour les italiens qui participent en masse aux rassemblements organisés à Rome. Dans un ensemble d’immeubles ne restent qu'Antonietta, mère d’une famille nombreuse, Gabriele, un homme de radio écarté à cause de ses préférences sexuelles, et la concierge. Antonietta et Gabriele se rencontrent pour la première fois, et découvriront le mode de vie de l’autre. Si Gabriele connaît les milieux pro mussoliniens, Antonietta va découvrir que certains de ses compatriotes ne partagent pas son admiration pour le Duce.

Le film est admirablement construit. Les premières images sont celles de documents d’époque, évoquant le trajet effectué en train par Hitler pour rejoindre Rome. La foule est massée le long des voies, Hitler est satisfait de l’accueil qui lui est fait, des drapeaux aux croix gammées fleurissant sur l’ensemble du parcours. Puis on entre dans l’intimité de la vie d’Antonietta, qui doit préparer ses enfants et son mari à cette grande journée. On la suit en train de trimer pour que tout soit prêt, et on saisit le sacrifice qu’elle fait en n’assistant pas au défilé lorsqu’elle ouvre le livre contenant toutes les photos du Duce qu’elle collectionne. Ensuite, par l’intermédiaire de l’envol de l’oiseau domestique dans la cour, Antonietta est obligé de rencontrer Gabriele, l’oiseau s’étant posé sous ses fenêtres. On découvre cette relation à deux, de deux personnes qui n’ont rien à échanger et qui se côtoient pour quelques instants.

Ces rencontres donnent lieu à des scènes formidables, en particulier dans la cuisine d’Antonietta, ou sur le toit de la construction où les femmes étendent le linge. On y sent à la fois l’attirance physique des deux personnages et le fossé culturel et politique qui existe entre eux. Cette distance ne sera résolue que par un événement pénible et douloureux, qu’Antonietta peut comprendre grâce à ses discussions avec Gabriele.

L’un des points forts du film est la bande-son. Pendant tout le film, le spectateur entend la radio (celle d’Antonietta, de la concierge, ou via les hauts-parleurs) qui relate la rencontre entre Duce et Hitler. Jamais on ne peut oublier l’événement historique qui se joue alors que ces deux personnages se découvrent. Cette astuce de Scola est formidable car elle permet de conserver au premier plan cette trame de fond.

L’autre point fort est lié à l’interprétation de Sofia Loren et de Marcello Mastroianni. Tous les deux utilisés dans des emplois bien différents de leur jeu habituel, ils excellent par leur retenue et la violence qui sourd. Dans cette Italie joyeuse et unanime, on ressent la puissance politique qui étrangle le pays et pousse les citoyens dissidents à se taire ou à mourir.

Ettore Scola signe un film original et merveilleusement maîtrisé, sur un épisode historique vu par la petite fenêtre, mais qui n’est jamais relégué au second plan. Du grand art !

Nathalie et Alain sont les parents de Lucien, un enfant quelque peu turbulent. Alain, ancien GO au Club Med, a du mal à tenir la distance face à son beau-frère, Jean-Pierre, avocat de profession, sa femme Catherine et leur fille polyglotte, chanteuse et musicienne, le tout à huit ans. Malheur pour Alain : son épouse est très proche de son frère, mais également de sa petite sœur, complexée de ne pas avoir d’enfants. Sa rencontre avec Bruno lui permettra de pouvoir aspirer à combler ses désirs. Mais dans cette famille, tout se détraque très vite, et les masques tombent, faisant apparaître les défauts et les mensonges de chacun.

Dans le genre comédie, cet essai de Eric Toledano et Olivier Nakache est plutôt réussi. Le début m’a fait craindre le pire : une sortie dans un grand magasin de meuble suédois qui vire à la catastrophe, puis le repas de famille à Créteil, cela sentait le réchauffé. Mais là où beaucoup de scénaristes se seraient arrêtés et auraient exploité cette maigre exposition, ils ont décidé ici d’aller au bout des situations. Lucien, totalement incontrôlable, va céder la place à sa mère et sa ribambelle de pakistanais qui envahissent l’appartement, à son père et son grand-père amateur de dancing et de perruques, à son oncle l’avocat de la mafia locale et sa tante qui tente de s’intégrer dans l’école juive où elle a inscrit sa fille.

Le tout est outré, exagéré, mais cette exagération m’a beaucoup plu. On comprend d’ailleurs à la fin du film, dans la dernière scène, la raison de cette exagération (qui n’est d’ailleurs que suggérée, un peu mollement à mon goût). Ce trop plein de situation absurde et déjantée est totalement justifié par le retournement final, car il fait partie intégrante du métier de ce protagoniste qui apparaît à la fin du film. Je ne souhaite pas dévoiler l’intrigue, c’est pourquoi mes propos peuvent paraitre abscons, mais, sans vouloir paraître immodeste, je trouve que ceux (et certains critiques professionnels) qui parlent d’outrance comique n’ont pas forcément compris la nature du film. Mais le débat est ouvert.

Cette comédie est également servie par de bons acteurs. Isabelle Carré et Vincent Elbaz (jamais aussi bon que dans la comédie) jouent les parents de Lucien, François-Xavier Demaison et Audrey Dana (vue dans Welcome) incarnent les parents pas si parfaits, cette dernière dansant dans un spectacle digne de Rabbi Jacob. A noter également la présence de Jean Benguigui en père aigri et solitaire, et Omar Sy (d’Omar et Fred), très juste dans un role de médecin noir que tout le monde prend pour le brancardier (seul vrai moment de réalisme dans le film, mais bien entendu exagéré comme l’ensemble).

Ce petit film sans prétention permet de passer un agréable moment, de rire et de prendre plaisir à voir cette famille névrosée se décomposer petit à petit. Mais je vous invite vraiment à vous attarder sur cette dernière scène, qui donne un peu rapidement les clés de ce long métrage. (à moins que ce ne soit évident et que je sois long à  la détente, ce qui est une autre possibilité)

Hervé est un collégien presque banal : toujours habillé du même pull, il partage sa vie entre sa mère, sa scolarité difficile, ses amis et sa découverte des émois sexuels, qu’il partage entre le catalogue de la Redoute et quelques films plus osés sur Internet. Adolescent naïf, il ne rêve que de sortir avec une fille, mais ne se rend compte de rien lorsqu’Aurore se rapproche de lui. Commence alors une histoire sentimentale pleine de rebondissements, qui va lui permettre de passer un cap.

Les beaux gosses est un film osé sur un sujet casse-gueule, car déjà traité un nombre innombrable de fois : la découverte de la sexualité à l’âge adolescent. Mais Riad Sattouf, le jeune réalisateur et co-scénariste du film, réussit à faire de ce teen-movie une œuvre tout à fait réussie, drôle et touchant à plusieurs moment de prêt à ce qui fait la vie des adolescents.

Le premier choix fort judicieux du réalisateur est celui de Hervé : ado de quatorze ans en difficulté scolaire, mais bonne pâte. Pas violent pour deux sous, il se laisse porter par les événements, sans vraiment réaliser ce qui se passe. Le choix du lieu est également intéressant : une ville de province (Rennes), calme, sans problème particulier. Cela permet de changer de la banlieue difficile, cadre souvent utilisé récemment pour les films traitant de l’école (Entre les murs, La journée de la jupe), ou de la jeunesse bourgeoise de Paris intra-muros, l’autre extrême souvent dépeint. L’élève est banal, le lieu classique, et cela donne un ton universel au film, ce qui n’est pas pour rien dans sa réussite.

L’autre point fort, ce sont les dialogues et le comique de situation. Hervé est toujours affublé de Camel, qui ne cesse de se référer à ses origines tunisiennes pour  expliquer son art d’anticiper les choses. Art souvent contrarié par les événements. Autour du couple central Hervé / Aurore, on trouve tous les types d’élèves  susceptibles d’être rencontrés dans une cour de collège : les jeunes caïds qui tentent de faire respecter leur loi, sans vraiment y parvenir, les filles trop sûres d’elle, les autres complexés et qui cachent leur forme des survêts informes, le bouc émissaire.

Enfin, les adultes sont assez jouissifs. Les scénaristes ne les ont pas sacrifiés, pour le plus grand bonheur du spectateur. On découvre ainsi le malaise (ou mal-être) de certains profs, le charisme de la chef d’établissement qui tranche avec les couettes qu’elle porte le week-end (impressionnante Emmanuelle Devos), la mère d’Aurore, ancien mannequin de la Redoute (Irène Jacob) et surtout, surtout, la mère d’Hervé, femme seule et dépressive, qui ne cesse de surveiller son fils en lui demandant s’il ne se cache pas pour se masturber, le tout avec un sourire aux lèvres. Noèmie Lvovsky incarne à merveille cette mère immature, inquiète pour son linge qui sent mauvais lorsqu’il est sur le balcon et qui s’incruste dans les fêtes de son unique rejeton.

L’ensemble de ces personnages donne donc un film plaisant, drôle, et qui en ne respectant pas tous les codes des teen-movies genre American Pie, donne un nouvel horizon à ce type de long-métrage : celui d’être visible par des personnes qui n’ont plus forcément l’âge des personnages du film.