Depuis son éviction de l'antenne de France Inter sous le prétexte d'avoir fait dire à un ex-Premier Ministre qu'il souhaitait sodomiser le Président (pour faire politiquement correct), Didier Porte a perdu une grande part de son exposition médiatique. Car même si Daniel Schneidermann a eu la bonne idée de lui proposer une chronique hedbomadaire sur Arrêtsurimages.net, cela ne comble pas le déficit d'exposition de l'humoriste. Alors, dans ce cas, il reste une solution : la scène. Porte a donc choisi de multiplier les représentations et ma foi, il a bien fait.

Je ne suis pas un grand adepte des spectacles à sketches, car j'ai souvent du mal avec le passage du coq à l'âne, d'un personnage à un autre, avec une impression de butiner sans avoir rien à retenir. L'avantage avec Porte, c'est qu'il ne cherche à jouer un personnage, ce qui donne une cohérence au propos de son spectacle. Bien entendu il manie le second degré, mais avec efficacité. Son entrée en matière avec un sketch sur les fonctionnaires, sujet éculé des spectacles humoristiques s'il en est, est mordante dans la caricature qu'elle donne de ceux qui caricaturent les fonctionnaires. Ce passage donne le ton au spectacle, qui sera une charge nette et franche contre les puissants.

Car Porte ne laisse personne de côté. Bien entendu, il a des sujets de prédilection ; les religieux sous toutes leurs formes, le gouvernement actuel,... Il ne se gêne d'ailleurs pas pour nous faire nous souvenir de cassseroles de certains membres du-dit gouvernement, oubliées car elles sont de plus en plus nombreuses.

Porte s'en prend également au pouvoir des média. Au coeur de sa charge : TF1. Dans une saynète où il tente de contacter Laurence Ferrari pour mettre en place un prolothon (un téléthon pour les pauvres), il parvient de manière détourner à faire passer l'idée que toutes les théories à la base de la lutte des classes sont niées par les instances médiatiques. On sent bien que Porte met cette notion au coeur de  sa conception de la politique, et cela est assez réjouissant de l'entendre pendant une heure trente.

Chacun a droit à son petit passage : Johnny, que Porte déteste, les chanteurs du concert de la Concorde après la victoire de Sarkozy, Hortefeux,... Mais aussi les socialistes, pour qui être de gauche et riche est possible, à condition d'être désolé. J'ai beaucoup ri à ce spectacle, engagé et volontaire. Une forme de pamphlet de gauche qui fait du bien à entendre. Et qui n'est pas une pose, car il est rare de voir un comédien laisser la place en fin de spectacle à des cheminots pour qu'ils annoncent qu'ils font une collecte à la sortie pour alimenter la caisse de grève, qui a duré trois semaines. Merci, Didier Porte, de nous montrer qu'on peut être drôle, engagé, franc, dans un monde de l'humour souvent aseptisé.

Tournée dans toute la France, et au Café de la Gare tous les premiers lundi du mois.

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Chouette ! C'est la rentrée théâtrale dans les théâtres parisiens publics. Pour débuter la saison, le théâtre de la Colline reprend un spectacle déjà accueilli l'an dernier, Notre terreur. Le spectacle a été créé et joué par le collectif d'ors et déjà, qui avait présenté Le père Tralalère, et qui laisse dans ses spectacles une grande part à l'improvisation.

Notre terreur, c'est la plongée au coeur du Comité de Salut Public, gouvernement de neuf individus qui était au pouvoir au moment de la Grande Terreur. Parmi les membres du comité, il y a notamment Robespierre et Saint-Just, les plus connus aujourd'hui, mais leurs collègues ne sont pas tous proches de ces deux figures : Lindet est un ancien proche de Danton, et d'autres partagaient certaines idées des hébertistes, les gauchistes de la Révolution.

La première partie du spectacle est époustouflante. Après un monologue un poil longuet de Saint-Just, on plonge pendant un peu plus d'heure dans les discussions de ce gouvernement. Même si on ne connaît pas grand chose à cette période, la teneur des échanges et les rivalités personnelles sont passionnantes. On comprend vite que chacun a son secteur privilégié : Carnot s'occupe de la guerre, Couthon de la justice ou Lindet du ravitaillement. Les membres évoquent les problèmes de la famine qui menace, de la guerre avec les ennemis qui sont aux portes du pays. Les échanges sont également musclés quant il s'agit de savoir si la mort de Danton était nécessaire ou jusqu'ou il faut aller pour réprimer les contre-révolutionnaire (faut-il emprisonner toute la famille d'un journaliste qui a eu des propos contre le Comité ?).

On y ressent toute la force de ce groupe, dont les membres ont beaucoup de diifférends, mais où les décisions sont finalement prises, et souvent dans le sens des plus répressives. Les votes sont mécaniques et les opposants sont rapidement soumis au silence.

La seconde partie du spectacle s'intéresse plus particulièrement à l'image de Robespierre. Pour celle-ci, je pense qu'il est nécessaire d'avoir des connaissances plus importantes, ou de lire la note d'intention du metteur en scène, Sylvain Creuzevault. La thèse de ce dernier est de montrer que Robespierre n'a pas eu une influence aussi importante qu'on a pu le dire. Enfermé chez lui, il se pose des questions sur son rôle, son action, et même si ses collègues tentent de le persuader de revenir à la Convention Nationale, il reste  droit dans ses bottes. Pour Creuzevault, Robespierre (et à un moindre degré Saint-Just) sert de bouc émissaire aux thermidoriens, les opposants au Comité qui prennent le pouvoir après la mort de Robespierre. Si cela m'a permis d'y voir un peu plus clair sur cette période historique trouble, j'ai été moins convaincu par la deuxième partie du spectacle.

Mais, si le spectacle passe par chez vous (et il devrait le faire, car il part en tournée en Belgique et en France jusqu'au printemps), je vous invente vivement à découvrir cette oeuvre forte, parfois dérangeante, mais toujours inteligente. Elle met le spectacteur au coeur du dispositif, et on ne peut en sortir sans avoir ressenti ce spectacle. Alors, il ne vous reste plus qu'à en guetter le passage !

Depuis quelques années maintenant, Cyrano de Bergerac fait les beaux jours de la Comédie Française. Régulièrement repris, il était une nouvelle fois à l'affiche en cette fin de saison 2009-2010. et comme l'occasion d'assister à une représentation ne s'était pas encore présentée, j'ai sauté sur l'occasion.

Pour l'intrigue, faisons court : Cyrano aime Roxane, qui aime Christian. Enfin, elle aime plus Christian pour les lettres qu'il lui écrit et les déclarations qu'il lui fait, que pour son physique. Seulement, les lettres ne sont pas le fait du fringant Christian, mais de l'homme au long nez, Cyrano.

L'entrée en matière de la pièce est assez réjouissante. On assiste, depuis les coulisses, au spectacle de Montfleury, acteur renommé de l'époque et pris en grippe par Cyrano. J'ai beaucoup apprécié le bouillonnement des coulisses, où se retrouvent presque tous les protagonistes qui feront le sel de l'histoire à venir. Si certains propos sont assez difficilement audibles (et pourtant, j'étais au premier rang), j'ai trouvé que la mise en scène enlevée, rapide, fulgurante, permettait de passer sous silence ce petit défaut. Podalydès prend dès ce premier acte la pièce à son compte, avec une actualisation du texte qui permet de citer tous les acteurs honoraires actuels du Français, et cette adaptation est amplement justifiée.

Par la suite, la mise en scène est très réussie, prenant vie dans un décor assez remarquable, en particulier lors du passage chez Ragueneau, le pâtissier, où les volailles et les casseroles pendent au dessus de la scène. De même, la représentation du camp d'Arras est très évocatrice, et les confettis rouges de sang rendent toute la tension de ce moment.

L'autre point fort concerne bien évidemment les acteurs, d'autant plus que la distribution était, pour les rôles principaux, celle d'origine : Michel Vuillermoz incarne un vibrionnant Cyrano, Françoise Gillard (jolie découverte) une courageuse Roxane, Eric Ruf un plaisant Christian, et Christian Cloarec un détestable De Guiche. Et ce qui est formidable avec la Comédie-Française, c'est que les seconds rôles sont toujours soignés : retrouver Grégory Gadebois, Julie Sicard, Alain Lenglet ou Jérôme Pouly dans des personnages moins exposés est un vrai bonheur.

Je crois que je deviens un inconditionnel de la Comédie-Française, car si les mises en scène de pièces peu montées sont parfois sujettes à discussion (comme les Oiseaux ou L'illusion Comique), leurs interprétations des grands classiques du répertoire sont souvent un vrai régal. D'ailleurs la saison 2010-2011 promet quelques bons moments, avec les reprises des très belles mises en scène de L'Avare par Catherine Hiegel ou Le malade imaginaire par Claude Stratz (Deux pièces que je vous recommande vivement), mais également avec la création de l'Opéra de Quat'sous qui m'intrigue beaucoup. Mais profitons des vacances, la saison théâtrale viendra en son temps...

Pierre, Paul et Hélène étaient amis, de très bons amis, il y a 20 ans. Ensemble, ils ont acheté une maison à la campagne. Aujourd'hui, Pierre est l'unique locataire, et verse un loyer à Paul et Hélène. Mais cette dernière a envie de vendre pour récupérer l'argent investi. Les trois amis se retrouvent donc pour discuter de cette éventualité. Mais le temps a passé, ils ne se sont pas vus depuis longtemps, et les rancoeurs sont tenaces. Sous les regards d'Antoine, le mari d'Hélène, de Lise, leur fille, et d'Anne, l'épouse de Paul, les trois protagonistes rejouent leur histoire.

J'ai une tendresse particulière pour cette pièce de Jean-Luc Lagarce, car ce fut l'un de mes premiers coups de coeur théâtral. J'y avais assisté au théâtre 71 de Malakoff, et le collectif DRAO (acronyme de Derniers remords avant l'oubli) avait investi le foyer du théâtre. Ici, le collectif In vitro prend place sur la scène du Studio-théâtre d'Asnières, dans un décor minimaliste qui laisse toute la place aux comédiens.

Ce qui m'attire, dans cette pièce, c'est la confrontation des caractères des différents personnages. Chacun a une personnalité bien trempée, et c'est leur opposition qui donne toute sa profondeur et sa densité à la pièce. Pierre (Eric Charon) est celui qui est resté dans la maison commune. Professeur dans un collège, il estime incarner la fidélité aux idéaux de jeunesse. Cette radicalité est sensible dès les premiers mots prononcés, en particulier lorsqu'il est exaspéré par le mot "taciturne" qu'utilise Hélène à son égard. Hélène (Julie André) est quant à elle devenue mère de famille. Visiblement en difficulté financière, elle compte sur cet argent mais n'arrive pas à expliquer les raisons qui la poussent à demander la vente de la maison. Accompagnée de sa fille, Lise (Annabelle Simon), qui tente de s'imposer dans ce monde d'adultes mais qui refuse de jouer leur jeu, et d'Antoine (Olivier Faliez), son mari bonasse qui ne comprend pas toujours les réactions de son auditoire, elle est une pile électrique que rien ne peut calmer, et qui finira par perdre son sang-froid. Elle avait anticipé toutes les réactions de Pierre, et refuse la moindre indulgence à son égard. 
 

Paul (Gwendal Anglade), lui, est au milieu. Indécis, sans caractère fort, il essaie d'arranger les morceaux et laisse les deux autres se disputer au sujet de la maison. Il essaie de ménager l'un et l'autre, mais son passé commun avec Hélène et son amitié forte avec Pierre ne l'aident pas forcément. Cette dernière est d'ailleurs sujet de reproche pour Hélène, qui estime qu'il n'avait pas à tout raconter à Pierre. Paul est venu avec Anne, sa femme (Agnès Ramy), persuadée d'avoir déjà rencontrée Pierre alors qu'il est incapable de s'en souvenir. Un peu délurée, elle tente de s'imposer, elle aussi, mais son côté femme légère, parfois naïve, fait qu'elle reste à l'écart du groupe.

Julie Deliquet, dans cette mise en scène très sobre, offre toute la place aux acteurs, et elle a plutôt bien fait car ils sont effectivement très bons. En quelques secondes, ils arrivent à changer d'expression, de sentiment, passant du reproche à l'agacement, ou de la bonhomie à l'incrédulité. Pour cette deuxième rencontre avec cette pièce, ce fut un moment très réussi.

Le spectacle a fini d'être joué à Asnières, mais il sera repris, en octobre-novembre, au théâtre Mouffetard (Paris 5eme) puis en mai à Vanves. A découvrir !

Autres pièces de Jean-Luc Lagarce :  Juste la fin du monde, L'apprentissage, Nous les héros

Aristophane fait son entrée au répertoire de la Comédie-Française avec cette adaptation des Oiseaux, par Alfredo Arias. Et adaptation est bien le terme approprié, car le metteur en scène prend une grande liberté avec le texte initial. Malheureusement, il ne semble pas aller au bout de ses intentions, et on assiste au final à un spectacle bancal, avec quelques moments réussis, mais dans l'ensemble peu enthousiasmant.

L'histoire est celle de deux femmes qui décident de fuir leur pays, frappé par la corruption, pour se réfugier dans le monde des oiseaux. Etres les plus anciens de la création, elles souhaitent leur rendre leur gloire et fonder avec eux une nouvelle cité. Malheureusement, les idéaux disparaissent, et la nouvelle cité est rapidement l'objet de luttes de pouvoir et d'intrigues qui rappellent l'ancien monde.

Dans son adaptation, Alfredo Arias choisit de faire de cette cité utopique un théâtre. Chaque oiseau incarne un grand rôle du répertoire (Cyrano, Phèdre,...) et le décor représente la place Colette et la Comédie Française. Mais Arias n'en fait rien. Hormis une miniscule référence au début de la pièce, cette idée passe par la suite par pertes et profits (enfin, surtout perte dans ce cas-là). J'ai eu l'impression qu'il voulait faire de cette pièce une envolée burlesque et chantée, ce qu'il arrive à faire par moment, mais que l'enceinte, par son prestige et son histoire, lui a fait peur.

Car dans les moments les plus réussis, notamment cet intermède dans lequel Loïc Corbery mène la danse, on n'a pas l'impression d'être à la Comédie-Française. On voit un théâtre vivant, jouant sur le physique, les attitudes, plus que sur le texte, et Loïc Corbery est vraiment excellent dans ce registre, tout en cavalcade et en élasticité. Mais hormis Catherine Hiegel, et dans un moindre registre, car on les voit moins, Hervé Pierre et Alain Lenglet, les autres comédiens ne semblent pas en mesure de faire monter aussi haut leur côté burlesque. On les voit parfois empêtrés dans leurs costumes d'oiseaux-comédiens, empruntés, et ne sachant que faire de leurs ailes.

L'aspect musical de la pièce, apportée par les chansons d'Emilie Loizeau ou les chants des acteurs, ne sauve pas l'ensemble. Ce qu'il manque, c'est un grain de folie, qu'on retrouve avec Hiegel et Corbery, mais qui est absent chez les autres. Les scènes avec les oiseaux paraissent de ce point de vue très statiques. Et ce n'est pas l'apparition de Karl Lagerfeld ou d'un magicien (toutes deux très réussies) qui permettent d'apporter l'allant nécessaire à cette pièce.

L'impression finale est que Arias s'est laissé impressionné par ce lieu, n'osant pas pousser à l'extrême son choix dramatique. Et du coup, on reste globalement à côté de cette lutte entre oiseaux et dieux, dont on a d'ailleurs du mal à saisir les tenants et aboutissants.

L'avis des Trois coups, de Télérama