Le fait divers alimente très souvent la fiction. Si Truman Capote y a trouvé l'inspiration de son ouvrage le plus connu, de nombreux auteurs français ont récemment utilisé un fait divers pour alimenter leur écriture, comme Laurent Mauvignier ou Régis Jauffret, pour ne citer qu'eux. C'est également le cas d’Éric Faye, qui y a eu recours pour signer l'intrigue de Nagasaki.

Nagasaki, dans l'esprit du lecteur, évoque immanquablement la bombe atomique et ses destructions. Ici, rien d'aussi explosif et destructeur : c'est uniquement la présence inattendue d'un intrus dans son logement qui est la cause des soucis de Shimura-san.

Shimura-san vit seul dans son logement de Nagasaki. Maniaque, il a l'habitude de noter sur un carnet le niveau des bouteilles entamées après s'être servi. Son quotidien est bouleversé le jour où il découvre que le niveau est plus bas que celui qu'il avait noté. Pour être certain de ses craintes, il décide d'installer une webcam pour surveiller les allers et venues dans sa cuisine. Et ce qu'il s'attendait à voir se produit : il voit une petite femme se servir dans son frigo. Qui est-elle ? Comment est-elle entrée chez lui ?

La qualité de l'ouvrage tient au personnage de cette petite femme, arrivée dans ce logement car elle le connaît, mais surtout parce qu'elle n'avait pas d'autre endroit où aller. En s'installant dans une pièce très peu fréquentée par son hôte involontaire (la chambre d'amis, chez un homme qui ne reçoit jamais personne), elle a réussi à se reconstruire une vie, à ne plus avoir constamment peur du futur. C'est vraiment le personnage clé de cette intrigue, et ce court roman gagne en profondeur dans sa seconde moitié, lorsqu'il quitte Shimura-san pour se concentrer sur la femme. Car Shimura-san ne semble pas éprouver beaucoup de sentiments, que ce soit par rapport à sa solitude ou au traitement qu'il inflige à son hôte, sans la connaître. Un petit drame du quotidien, aux conséquences intimes importantes, que l'écriture retenue d’Éric Faye rend assez bien.

Nagasaki d'Eric Faye

Ed. Stock

Quand on réside en province, assister à une représentation de la Comédie-Française devient un événement, notamment car la troupe a peu l'occasion de se produire en France hors de Paris. Outre la mise en scène de la trilogie de la villégiature de Goldoni avec une distribution alléchante, cette représentation valait également lecoup d'oeil pour la découverte du nouveau  théâtre en bois, installé dans la cour du Palais Royal pendant les travaux de la  salle Richelieu.

Commençons par ce théâtre éphémère qui prend place entre les colonnes de Buren et le jardin du Palais Royal. Esthétiquement, de l'extérieur, il est très beau. Je trouve que son insertion dans le Palais-Royal est une belle réussite, et son démontage à la fin des travaux de la grande salle est presque regrettable. A l'intérieur, cela sent le bois, on peut apercevoir l'architecture des gradins et on est confortablement installé. La vision sur la scène est bonne, ainsi que l'acoustique. Bref, une belle réussite.

Venons-en à Goldoni. La trilogie, comme son nom l'indique, est une combinaison de trois pièces. On y suit la vie de bourgeois de Livourne avant, pendant et après leur séjour en villégiature, dans les maisons secondaires. L'oeuvre est très intéressante, car cette construction en trois temps permet de donner trois couleurs vraiment différentes. La première pièce est celle des préparatifs. Derrière une histoire d'amour et de rivalité entre Leonardo (Laurent Stocker) et Guglielmo (Guillaume Gallienne) pour s'attirer les faveurs de Giacinta (Georgia Scalliet), on se retrouve presque dans un vaudeville. Les portes claquent, les caprices de Vittoria (Anne Kessler) ou de Giacinta fusent (que de dicussions autour de la dernière robe à la mode !) et les valets (Eric Ruf et Jérôme Pouly) ne savent plus où donner de la tête (très belle utilisation de l'action récurrente de faire ou défaire les valises). La vitesse est au coeur de l'action et elle permet de mettre en exergue la futilité de ce monde.

Le deuxième tableau est celui de la séduction et de la paresse. La villégiature est l'occasion de s'amuser, de jouer aux cartes mais aussi de batifoler. Outre les querelles amoureuses déjà citées s'ajoutent celle de Sabina (Danièle Lebrun) et de Ferdinando (Michel Vuillermoz), pique-assiette qui ne voit dans la séduction que le moyen d'obtenir une donation. S'ajoutent également les amours des deux plus jeunes (Adrien Gamba-Gontard et Adeline d'Hermy) ou celle des valets (très beau duo Eric Ruf - Elsa Lepoivre). Autour d'eux, Filipo (Hervé Pierre), l'organisateur un peu naïf, a du mal à saisir toutes les intrigues qui se mênent pendant cette villégiature.

Le troisème tableau est celui de la déchéance. Les bourgeois de la villégiature sont assaillis par les créanciers, et les histoires d'amour ont du plomb dans l'aile. Fulgenzio (Bruno Raffaelli), autorité morale, tente de remettre les choses en bon ordre, mais se heurte à la lâcheté de ces riches dans le besoin. On ressent ici l'apport du travail d'Alain Françon, grand metteur en scène de Tchekhov : comme dans La Cerisaie ou Les trois soeurs, on voit un monde qui s'effondre, et les protagonistes n'arrivent pas à comprendre leur propre chute.

Toute la distribution est épatante (en particulier Danièle Lebrun, Hervé Pierre ou Eric Ruf, mais il faudrait presque tous les citer). J'avais déjà vu nombre des comédiens dans d'autres productions de la troupe, mais ils sont ici à un excellent niveau. La lecture de la pièce de Françon est un régal et il arrive à rendre ces intrigues intelligibles. En plus, les nombreux costumes sont magnifiques et les décors bien utilisés. C'est donc une très belle production, qui s'arrête bientôt pour cette saison mais qui devrait sûrement être reprise dans les années à venir. A voir sans hésitation.

Autres mises en scène d'Alain Françon : La Cerisaie, Les trois soeurs

Voici l'excellente surprise cinématographique de ce début d'année. Elle vient de Norvège, et est signée par Joachim Trier, dont c'est le deuxième long métrage. L'histoire est celle d'Anders, toxicomane qui suit une cure et obtient une journée de sortie pour passer un entretien professionnel. Il en profite pour essayer de revoir ceux qu'il cotoyait avant le début de la cure : son meilleur ami, universitaire plongé dans les études de lettres, sa soeur, ses amis. Mais la confrontation avec la passé est loin d'être anodine.

Ce film est un petit bijou. Avec peu de moyens et des acteurs formidables, Joachim Trier signe un film passionnant sur le retour à la réalité d'un homme confronté à ses addictions. Le passé que souhaite retrouver Anders, à l'occasion de cette sortie, est fantasmé : son ex est partie s'installer à New-York, sa soeur s'est remise en couple avec son amie sans le prévenir et son meilleur ami a quitté ses habits de fêtard pour ceux du père de famille rangé, prêt à renoncer à une soirée pour jouer avec sa femme au jeu vidéo.

Le film tient sur peu de choses, mais l'utilisation que Joachim Trier fait de la caméra ou du son est vraiment très judicieuse. Que ce soit dans une soirée, au bord d'une piscine d'hiver ou sur une terrasse, tous les plans sont passionnants, avec une mise en scène maligne qui parvient à se faire oublier.

Tout le film est vu par les yeux d'Anders. Hormis la séquence d'ouverture qui montre Oslo dans les années 70, on ne quitte jamais le héros. Le film s'ouvre sur une scène de tentative de suicide : Anders ramasse des cailloux pour tenter de se noyer. Méthode peu académique qui échoue, mais qui marque l'ensemble du film. Jamais le spectateur n'oublie cette séquence d'ouverture, et le thème du suicide revient hanter de nombreuses séquences du film, notamment lors de l'entretien d'embauche. Anders Danielsen Lie donne au personnage une profondeur et un trouble qui s'empare du spectateur presque dès l'ouverture, et ne le quitte pas. Un film passionnant, émouvant qu'il faut se dépêcher d'aller voir avant qu'il ne disparaisse des écrans. Le cinéma norvégien a certainement trouvé un grand réalisateur.

Ali et Nasser sont deux habitants d'une cité de la banlieue lilloise. Ali, qui a grandi dans une famille musulmane, essaie de s'intégrer dans la société française. Il mène des études techniques assez poussées, et veut suivre le chemin de son frère aîné, qui a réussi à être reconnu dans le quartier par ses valeurs humanistes. Malheureusement, les échecs dans sa recherche de stage l'amène vers des chemins radicaux. A ses côtés, Nasser est paumé. Viré de chez sa soeur, il trouve refuge auprès de Djamel, un arabe charismatique, intelligent, qui pense que le seul moyen pour les musulmans de s'imposer est la lutte armée. Petit à petit, avec Djamel, Hamza, le gaulois converti, Nasser, le paumé et Ali le revanchard montent un plan pour faire connaître leurs revendications.

Le film de Philippe Faucon est un film violent. Non pas tant par ce qu'il montre (pas d'images sanguinolentes), mais par ce qu'il décrit. La désintégration est celle de ces jeunes français, de parents étrangers venus en France, et qui aujourd'hui ne trouvent plus de place dans cette société. Le jeune Ali (incarné par Rashid Debbouze, très convaincant) est le symbole de cette génération. Il s'est accroché, est sur le point d'obtenir son diplôme mais tout est remis en cause car il éprouve les pires difficultés pour déécrocher un stage. Son nom et son faciès ne le favorisent pas, et il prend alors violemment conscience que la tolérance dans laquelle il a été élevé n'est pas partagée par tous.

Le film, assez didactique, a plusieurs mérites. D'abord, autour de Djamel (Yassine Azzouz, angoissant au possible), l'intellectuel qui donne des ordres et manipule ces jeunes qui pour lui ne sont rien d'autres que des armes humaines, les jeunes embarqués sont très différents. Trois parcours, trois personnalités. Il est d'ailleurs un peu dommage qu'on n'en sache pas plus sur Hamza (Ymanol Perset), le recent converti à l'islam, qui voue une haine profond aux français de souche. L'autre point positif est de montrer que certains réussissent à s'intégrer dans cette société pleine d'adversité. C'est notamment le cas de la famille d'Ali, avec ce grand frère qui ne comprend pas pourquoi son frère tombe dans ce radicalisme religieux (Kamel Laadaili). Le personnage de la mère d'Ali, femme de ménage, est également très intéressant. Femme qui suit les préceptes de la religion, elle accepte doucement que ses enfants ne suivent pas la même voie qu'elle. La rencontre avec sa belle-fille, non musulmane, est d'ailleurs l'occasion d'une belle scène. Zahra Aiddaoui, dont c'est le premier film, donne à ce personnage un grande profondeur.

La désintégration est donc un film dur, qui montre une image peu agréable de notre société. Mais le scénario de Philippe Faucon et la multipliciité des points de vue rend cette chronique tout à fait digne d'intérêt. Un film à découvrir.

A Tanger, il n'y a pas beaucoup de solutions pour les jeunes filles : c'est le chômage, le travail dans les usines textiles de la zone franche ou le décortiquage des crevettes. Badia est ce qu'on appelle une fille-crevette : toute la journée, elle est assise dans une grande salle à la lumière blanche où elle s'occupe des crevettes avec des gestes mécaniques. Le problème, c'est l'odeur : Badia ne la supporte pas et se frotte désespérément, pour essayer de faire passer cette abominable puanteur. Avec Imane, son amie, elle tente de donner un peu de sens à sa vie. La rencontre avec deux autres filles, des textiles, va apporter un peu de piment. Et quelques larcins apportent du beurre dans les épinards.

Sur la planche est un film qui prend aux tripes. Les premières scènes mettent immédiatement dans le ton : le spectateur est pris à parti par la logorrhée de Badia, qui parle avec un débit impressionnant et un accent marqué. La caméra suit l'énergie du personnage principal : tourbillonnante, elle ne laisse pas de repos. Puis le film se pose : on découvre alors l'histoire de ces jeunes femmes, obligées de travailler pour payer leurs logements miteux en location. Dans le rôle de Badia, la jeune Soufia Issami est très convaincante et la mise en scène de Leïla Kilani permet de concilier l'intrigue (une simple histoire d'arnaque et de vol) et description du Maroc contemporain.

Car outre l'histoire édifiante des personnages, le plus du film est de donner à voir la vie à Tanger. Ville en pleine expansion économique, elle est un lieu d'immigration pour les marocains, qui quittent les autres villes pour y trouver du travail. Les intérêts économiques sont protégés dans la zone franche, où les allers et venues sont contrôlés par les autorités policières. Les conditions de travail difficile des ouvrières ne les protègent toutefois pas des conséquences de la mondialisation : les délocalisations pour l'Asie ne les épargnent pas.

C'est un film pour lequel il faut être en forme : l'intrigue n'est pas totalement linéaire et m'a laissé perplexe (même s'il est assez facile de faire des hypothèses plausibles sur ce qui se passe une fois le générique de fin débuté) et la caméra ne ménage pas le spectateur. Mais c'est un film qui mérite cet effort initial, car il est déroutant et riche.